Uitgelicht

Neem voor frequente, korte besprekingen een kijkje op onderstaande Instagram account.
Ontvang je liever een Art Weekly via mail?

ainternationalgallery

Art Weekly – News flash Feng Zhengjie, oil on c

Art Weekly – News flash

Feng Zhengjie, oil on canvas, 2001

Het werk van de Chinese kunstenaar Feng Zhengjie typeert zich door het felle kleurgebruik. Hij vond zijn inspiratie bij traditionele kleurrijke tekeningen die doorheen de keizerlijke dynastieën aan populariteit wonnen. Zijn meestal vrouwelijke modellen zijn ontleend uit de reclamewereld met excentrieke eigenschappen zoals een weelderige haardos en glamour uitstraling. Kenmerkend voor Feng’s werk zijn de divergerende ogen die worden aanzien als een representatie van de oppervlakkigheid van globalisatie en de consumptiemaatschappij. Hoewel het voor de kunstenaar zelf niet per se een uiting van kritiek is, maar een bevatting van de overvloed aan impulsen en emoties die het teweeg brengt.

Het ‘untitled’ kunstwerk is hier een uitzonderlijk werk uit zijn oeuvre omwille het mannelijk model. De felle kleuren zijn zachter aanwezig en contrasteren met de felrode lippen. Het fashiongehalte van het model lijkt vooral onnatuurlijk en vertoont een expressie van vervreemding binnen zijn mogelijks te snel evoluerende maatschappij.
__________________
The work of the Chinese artist Feng Zhengjie is characterized by the bright use of colour. He found his inspiration in traditional colourful drawings that gained popularity throughout the imperial dynasties. His mostly female models are borrowed from the advertising world with eccentric features such as a lush head of hair and a glamorous appearance. Characteristic of Feng's work are the diverging eyes that are seen as a representation of the superficiality of globalization and the consumer society. Although for the artist himself it is not necessarily an expression of criticism, but an understanding of the abundance of impulses and emotions it produces.

The 'untitled' artwork here is an exceptional work from his oeuvre because of the male model. The bright colours are softer and contrast with the bright red lips. The fashion content of the model seems especially unnatural and shows an expression of alienation within his possibly too rapidly evolving society.

#fengzhengjie #chineseartist #portrait #painting #colourful #eyes #contemporaryart #artweekly

Art Weekly – News flash Marcel Broodthaers, mix

Art Weekly – News flash

Marcel Broodthaers, mixed media, 1964

Net zoals William Shakespeare, stierf Marcel Broodthaers op 52-jarige leeftijd op zijn verjaardag. Zijn liefde voor literatuur heeft hij als kunstenaar verder gezet. Zijn kunst is een communicatiemiddel, waarbij het vormelijke ondergeschikt is aan de betekenis. Op poëtische wijze manipuleerde hij linguïstische en visuele aspecten tot een soms onmogelijk op te lossen psychologische puzzel. De synthese van intellect, fantasie en ironie maakt zijn werk intrigerend.
‘En souvenir de Cocteau’ dateert uit het eerste jaar van zijn kunstenaarscarrière en bevat tal van zijn typerende elementen. Het werk geldt als een eerbetoon aan zijn mede dichter, filmmaker en kunstenaar Jean Cocteau, die kort daarvoor stierf. Ze deelden niet alleen eenzelfde passie, maar gelden ook beiden als absolute avant-gardisten.
________________________
Like William Shakespeare, Marcel Broodthaers died on his birthday at the age of 52. He continued his love for literature as an artist. His art is a means of communication in which the form is subordinate to the meaning. He poetically manipulated linguistic and visual aspects into a psychological puzzle often impossible to solve. The synthesis of intellect, fantasy and irony makes his work intriguing.
'En souvenir de Cocteau' dates from the first year of his artistic career and contains many of his typical elements. The work is a tribute to his fellow poet, filmmaker and artist Jean Cocteau, who died shortly before. Not only did they share the same passion, but they are also both absolute avant-gardists.

#marcelbroodthaers #belgianartist #artepovera #jeancocteau #homage #plaster #mirrors #artweekly

Art Weekly – News flash Jörg Plickat, Corten S

Art Weekly – News flash

Jörg Plickat, Corten Steel, 2017

De Duitse beeldhouwer Jörg Plickat creëert een vormtaal in inox en cortenstaal. Zijn vormen zijn geabstraheerd en geometrisch, ze zoeken evenwicht tussen monumentalisme en fragiliteit. De kunstenaar onderzoekt de verhouding tussen volume en materiaal. Zijn krachtige vormen bevinden zich wereldwijd in parken van musea en ruime private tuinen. Het zijn monumentale constructies in cohesie met de omliggende natuur en/of de architecturale context van het geheel.

‘Helping hands’ symboliseert de samenwerking tussen mensen en culturen. De imposante vorm staat voor massa, beweging en zijn existentie. Het kunstwerk bevestigt op subtiele wijze de harmonie die de kunst in zich draagt. Het roestige oppervlak van zijn cortenstalen mantel schept een coherent geheel met de rauwe betonnen gevelconstructie van de naastgelegen Art Foundation.
_________________
The German sculptor Jörg Plickat creates a formal language in stainless steel and Corten steel. His forms are abstract and geometric, they seek a balance between monumentalism and fragility. The artist investigates the relationship between volume and material. His powerful shapes can be found worldwide in museum parks and spacious private gardens. They are monumental constructions in cohesion with the surrounding nature and/or the architectural context of the whole.

‘Helping hands’ symbolizes the cooperation between people and cultures. The imposing shape stands for mass, movement and its existence. The artwork subtly confirms the harmony that the art carries within itself. The rusty surface of its Corten steel casing creates a coherent whole with the raw concrete facade construction of the adjacent Art Foundation.

#jörgplickat #germanartist #sculpture #cortensteel #helpinghands #sculptor #monumental #artweekly

Art Weekly – News flash Andy Warhol, silkscreen

Art Weekly – News flash

Andy Warhol, silkscreen with diamond dust on canvas, 1981

Met zijn iconische stijl werd Andy Warhol bekroond tot popart-paus. De traditionele schildertechniek was niet aan hem besteed, sinds 1961 gebruikte hij zijn befaamde zeefdrukramen. Het genie verhief de volkse consumptiegoederen tot kunst en ook talrijke beroemdheden maakten deel uit van zijn culturele tijdsgeest. De excentriekeling vertoefde in hogere kringen, bereikte supersterren en werd hiermee zelf de portretterende superster van de 20ste eeuw.

De Italiaanse modeontwerper ‘Giorgio Armani’ werd door Andy Warhol vereeuwigd. Warhol gebruikte eerst zijn polaroid en bracht dan de foto via een zeef met acrylverf op zijn doek. Het purperen kleur symboliseert luxe, exclusiviteit en biedt het glamourgehalte van de mode-paus. Zijn portret werd op passende wijze overdekt met een glinsterende laag ‘diamond dust’. Armani staat ook bekend als kunstmecenas die vaak de kunst met de fashionwereld verbond. Dit werk versterkt de iconische status van de couturier en bewijst eveneens het intuïtieve talent van Warhol.
___________________
With his iconic style, Andy Warhol was crowned pop art pope. The traditional painting technique was not for him, since 1961 he used his famous screen printing frames. The genius elevated popular consumer goods to art and numerous celebrities were also part of his cultural zeitgeist. The eccentric hung out with high society, reached superstars and thus became the portraying superstar of the 20th century.

Italian fashion designer ‘Giorgio Armani’ was immortalized by Andy Warhol. Warhol first used his polaroid and then transferred the photo through a silkscreen with acrylic paint onto his canvas. The purple colour symbolizes luxury, exclusivity and offers the glamor content of the fashion pope. Appropriately, his portrait was covered with a glittering layer of 'diamond dust'. Armani is also known as an art patron who often connected art with the fashion world. This work enhances the iconic status of the couturier and also proves Warhol's intuitive talent.

#andywarhol #americanartist #popart #armani #portrait #silkscreen #artweekly

Art Weekly – News flash Johan Tahon, polyester,

Art Weekly – News flash

Johan Tahon, polyester, 2003

De sculpturen van de Belgische beeldhouwer Johan Tahon zijn als een uiting van een alleszeggende stilte. Een voortdurende zoektocht binnen zichzelf laat zichtbare sporen na en maakt zijn werk erg persoonlijk. De geladenheid van zijn expressies, vol emotie en gedachten, gaat over de grenzen van het onbekende. Tahons werk representeert de mens als een denkend wezen, zoekend naar rede en het perspectief van zijn bestaan.
‘Self-self’ is een toonbeeld van existentiële bewustwording en emotionele capaciteit. Het dubbelhoofdige stelt de mentale verbinding met zichzelf en met de buitenwereld voor, waarbij het blauw de stabiliteit en wijsheid symboliseert. De kus staat voor de innige verstrengeling van twee figuren die samensmelten tot één fysieke en psychische totaliteit.
___________________
The sculptures by the Belgian sculptor Johan Tahon are like an expression of an all-embracing silence. A constant search within himself leaves visible traces and makes his work very personal. The charge of his expressions, full of emotion and thought, crosses the boundaries of the unknown. Tahon's work represents mankind as a thinking creature, seeking reason and the perspective of his existence.
‘Self-self’ is a paragon of existential awareness and emotional capacity. The double-headed represents the mental connection with oneself and with the outside world, with the blue symbolizing stability and wisdom. The kiss represents the intimate intertwining of two figures that merge into one physical and psychic totality.

#johantahon #belgianartist #sculpture #contemporaryart #polyester #sculptor #existentialism #artweekly

Art Weekly – News flash Paul Klee, sanguin on

Art Weekly – News flash

Paul Klee, sanguin on paper, 1929

Geboren als telg in een muzikale familie was Paul Klee een uitstekend violist en ontplooide zich door zelfstudie tot een veelzijdige kunstenaar. Vanuit de klassieke kunst ontwikkelde hij zich tot een moderne kunstenaar, beïnvloed door buitenlandse culturen. Klee experimenteerde met allerhande materialen en technieken, en vond een perfecte balans tussen het figuratieve en de abstractie. Hierdoor getuigt zijn oeuvre van een constante stijlevolutie.
‘Reiter mit lanze’ geeft zijn fascinatie weer voor kindertekeningen, geïnspireerd door creaties uit zijn eigen kindertijd en deze van zijn zoon Felix. Hij onderzocht de iconografie achter de kinderlijke spontaniteit en tekende hierdoor louter binnen een wereld van geometrische vormen.
______________________
Born into a musical family, Paul Klee was an excellent violinist and developed into a versatile artist through self-study. From classical art he developed into a modern artist, influenced by foreign cultures. Klee experimented with all kinds of materials and techniques, and found a perfect balance between the figurative and the abstract. As a result, his oeuvre proves to be a constant evolution in style.
'Reiter mit lanze' reflects his fascination for children's drawings, inspired by creations from his own childhood and those of his son Felix. He investigated the iconography behind the childlike spontaneity and drew purely within a world of geometric shapes.

#paulklee #swissartist #autodidact #geometricart #drawing #modernart #Childlike #artweekly

Art Weekly – News flash Jonathan Meese, oil on

Art Weekly – News flash

Jonathan Meese, oil on canvas, 2005

Als een enfant terrible zorgt de Duitse kunstenaar Jonathan Meese voor heel wat opschudding in de hedendaagse kunstwereld. Zijn overweldigend plastisch werk met veel materie, obscene elementen en absurde woorden laat zich niet onopgemerkt. Ook zijn theatrale performances zijn zowel voor hemzelf als voor de toeschouwer een fysieke en mentale uitdaging. Subtiliteit is zeker niet aan hem besteed en het vaak brutale karakter van zijn werk provoceert velen, doch menig kunstliefhebber prijst zijn onverbloemde stijl.
‘Der Raubritter der nur sein eigenes Pimmellein ward’ is een vroeg werk van zijn typerende stijl. De titel wordt vertaald als: De roofridder die slechts zijn eigen piemel werd. Het verduidelijkt vooral zijn ironie, maar houdt verder geen steek. Zoals vaker beeldt hij hier ook historische elementen af zonder directe boodschap of mening. We zien het figuur met een tweekantige steek, een ijzeren kruis en Christelijk kruis in de hand, wat doet denken aan de tijd van de Pruisen.
________________________
As an enfant terrible, the German artist Jonathan Meese is causing quite a stir in the contemporary art world. His overwhelmingly plastic work with a lot of material, obscene elements and absurd words does not go unnoticed. His theatrical performances are also a physical and mental challenge for both himself and the spectator. Subtlety is certainly not his thing and the often brutal character of his work provokes many, but many art lovers praise his unvarnished style.
'Der Raubritter der nur sein eigenes Pimmellein ward' is an early work of his typical style. The title is translated as: The robber knight who only became his own penis. It mainly clarifies his irony, but otherwise makes no sense. As is often the case, he also depicts historical elements without a direct message or opinion. We see the figure with a bicorne, an iron cross and Christian cross in hand, which is reminiscent of the time of the Prussians.

#jonathanmeese #germanartist #contemporaryart #expressiveart #oiloncanvas #contemporaryartist #figurativeart #artweekly

Art Weekly – News flash Gilbert & George, uniqu

Art Weekly – News flash

Gilbert & George, unique c-print in metal frame, 1991

Het Brits-Italiaans kunstenaarsduo Gilbert & George leerde elkaar kennen in hun studententijd en zijn sindsdien onafscheidelijk. Hun leven en werk zijn verweven tot één en omvat een diversiteit van beeldmateriaal. In hun Britse maatpakken treden ze op met tal van performances als levende standbeelden. Met hun digitale fotografie weergegeven in een geheel van metalen kaders, werden ze wereldwijd bekend. Voorstellingen met thema’s als naakt, seks en lichaamssappen zorgde voor heel wat ophef.
‘Bum Cross’, een voorbeeld van hun controversiële kunst, biedt de provocatie van een harige bilspleet in de vorm van een heilig symbool. Hun zelfportretten, in de houding van een kwetsbare Christus die zich tot het volk richt, zijn bewust fel gekleurd. Voor de ene toeschouwer grappig en voor de andere erg choquerend, maar een groot kunstenaar rekent altijd af met zijn tijd.
____________________
The British-Italian artist duo Gilbert & George met in their student days and have been inseparable ever since. Their life and work are intertwined into one and comprise a diversity of visual material. In their British suits, they perform in numerous performances as living statues. With their digital photography displayed in a set of metal frames, they became known worldwide. Representations with themes such as nudity, sex and bodily fluids caused quite a stir.
‘Bum Cross’, an example of their controversial art, features the provocation of a hairy butt crack in the shape of a sacred symbol. Their self-portraits, in the pose of a vulnerable Christ addressing the people, are deliberately brightly coloured. Funny for one viewer and very shocking for another, but a great artist always settles with his time.

#gilbertandgeorge #britishartist #italianartist #photography #performance #controversialart #selfportrait #artweekly

Art Weekly – News flash Qiu Zhijie, c-print, 19

Art Weekly – News flash

Qiu Zhijie, c-print, 1994

De Chinese kunstenaar Qiu Zhijie kende, zoals vele andere dissidenten, zijn internationale doorbraak in de jaren ’90. Door zijn gebruik van traditionele technieken gecombineerd met nieuwe technologische media maakte hij zich los van de opgelegde dogma’s in zijn land. In zijn werk stelt hij woord en beeld in contrast met elkaar en vervaagt de grens tussen fictie en werkelijkheid. Zijn maatschappij kritische standpunten zetten de toeschouwer aan tot een bewustwording van zichzelf en de draagwijdte van hun gemeenschap.
Het kali-fotografisch kunstwerk ‘Tattoo II’ toont zijn zelfportret digitaal overschilderd met het Chinese karakter ‘Bu’, wat ‘negatie’ betekent. Als jonge kunstenaar onderzocht hij reeds de impact van symbolen op de persoonlijke identiteit. En stelde de kritische vraag of er nog individuele onafhankelijkheid kan worden bekomen binnen een socio-politieke structuur enkel bestaande uit regels.
____________________
The Chinese artist Qiu Zhijie, like many other dissidents, had his international breakthrough in the 1990s. By using traditional techniques combined with new technological media, he broke away from the imposed dogmas in his country. In his work he contrasts word and image and blurs the line between fiction and reality. His socially critical viewpoints encourage the viewer to become aware of themselves and the scope of their community.
The cali-photographic artwork 'Tattoo II' shows his self-portrait digitally overpainted with the Chinese character 'Bu', which means 'negation'. As a young artist he already researched the impact of symbols on personal identity. And asked the critical question whether individual independence can still be achieved within a socio-political structure consisting only of rules.

#qiuzhijie #chineseartist #photography #selfportrait #no #chinesecharacters #identity #artweekly

Art Weekly – News flash Robert Rauschenberg, in

Art Weekly – News flash

Robert Rauschenberg, ink and acryl on canvas, 1988

De Amerikaan Robert Rauschenberg, één van de belangrijke grondleggers van de popart, werd reeds in de jaren ’50 bekend. Gebruik makend van verschillende technieken en met oog voor alledaagse objecten creëerde hij assemblages en collages. Vaak waren zijn thema’s absurd en met een portie humor. Anderzijds was zijn oeuvre kritisch omtrent talrijke gebeurtenissen van zijn tijd op vlak van politiek, oorlog, consumptie, ecologie,...

Het monumentale werk ‘Altered image’ is gebaseerd op een foto, genomen door de Italiaanse fotograaf Gianfranco Gorgoni. Het ontstond in opdracht van de beroemde kunstmecenas en galerijhouder Leo Castelli. De kunstenaar drijft in een zwembad ontworpen door Le Corbusier en bovenaan bevinden zich 2 stroken met historische afbeeldingen, waarvan de onderste overschilderd met een kleurband. De plooien in het losjes opgehangen canvas imiteren ‘de beweging’ van het golvend water en brengen extra leven aan het werk.
____________________
The American Robert Rauschenberg, one of the important founders of pop art, already became known in the 1950s. Using different techniques and with an eye for everyday objects, he created assemblages and collages. His themes were often absurd and with a portion of humour. On the other hand, his oeuvre was critical of numerous events of his time in the field of politics, war, consumption, ecology,...

The monumental work 'Altered image' is based on a photo taken by the Italian photographer Gianfranco Gorgoni. It was commissioned by the famous art patron and gallery owner Leo Castelli. The artist floats in a swimming pool designed by Le Corbusier and at the top there are 2 strips with historical images, the lower of which is painted over with a colour band. The folds in the loosely hung canvas imitate 'the movement' of the wavy water and bring extra life to the work.

#robertrauschenberg #americanartist #popart #photography #canvas #gianfrancogorgoni #lecorbusier #artweekly

Art Weekly – News flash Frans Gentils, charcoa

Art Weekly – News flash

Frans Gentils, charcoal and pastel on canvas tarp, 1995

De vormtaal van de Belgische kunstenaar Frans Gentils bestaat uit fossielen, skeletten en overblijfselen van menselijke activiteit. Zijn werk omvat de vicieuze cirkel van het leven, de wederkerigheid van wat dreigt te worden vergeten. Zijn oeuvre is als de synthese van aardse vergankelijkheid en evolutie. Het fysiek herkenbare versmelt zich met het imaginaire, wat zijn werk doet baden in een mysterieuze sfeer.

De kunstenaar kocht oude dekzeilen, naaide de open wonden van het historisch verleden dicht en gebruikt het geheel als zijn monumentale drager. Het werk ‘Bossuet, Méditation sur l’évangile’ is geïnspireerd door het gelijknamig boek van de Franse bisschop Jacques-Bénigne Bossuet. Het tafereel vat de inhoud van dit boek samen: hoe de spirituele oefening leidt tot de ontdekking van de mysteries van het geloof, elke ziel treedt hier vanuit de duisternis de verlichting tegemoet.
________________
The visual language of the Belgian artist Frans Gentils consists of fossils, skeletons and remnants of human activity. His work encompasses the vicious circle of life, the reciprocity of what threatens to be forgotten. His oeuvre is also the synthesis of earthly transience and evolution. The physically recognizable merges with the imaginary, which immerses his work in a mysterious atmosphere.

The artist bought old tarpaulins, sewed up the open wounds of the historical past and uses it as his monumental support. The work 'Bossuet, Méditation sur l'évangile' is inspired by the book with the same title by the French bishop Jacques-Bénigne Bossuet. The scene summarizes the content of this book: how the spiritual practice leads to the discovery of the mysteries of faith, every soul here steps from darkness to enlightenment.

#fransgentils #belgianartist #tarp #contemporaryart #transience #evolution #enlightenment #artweekly

Art Weekly – News flash Sol LeWitt, painted wo

Art Weekly – News flash

Sol LeWitt, painted wood, 1986

De Amerikaan Sol LeWitt werd met zijn vernieuwende ideeën een icoon voor het minimalisme, maar nog meer de grondlegger van conceptuele kunst. In die zin wordt het grootste deel van zijn oeuvre getypeerd door een uitgewerkte theorie met nauwkeurige instructies, uitvoerbaar door anderen. Zowel zijn ‘Wall Drawings’ als zijn sculpturen kennen objectieve voorgeschreven regels bestaand uit een mathematisch systeem en specifieke materialen en kleuren. De ‘Open Cubes’, waarvan hij ca. 1965 een consequente theorie uitwerkte, zijn een iconisch voorbeeld van zijn conceptueel toegepaste modulaire structuren.
Zijn ‘Pyramid’ is een complexere verderzetting van zijn concept, waar verschillende geometrische vormen aan te pas komen. Dit beeldhouwwerk kent, in tegenstelling tot zijn vroeger werk, een eerder onregelmatig karakter en getuigt hiermee een evolutie van zijn gedachtengoed en uitvoering.
_________________
With his innovative ideas, the American Sol LeWitt became an icon for minimalism, but even more so the founder of conceptual art. In this sense, most of his oeuvre is typified by a detailed theory with precise instructions, which can be executed by others. Both his 'Wall Drawings' and his sculptures have objective prescribed rules that consist of a mathematical system and specific materials and colours. The 'Open Cubes', of which he worked out a consistent theory ca. 1965, are an iconic example of his conceptually applied modular structures.
His 'Pyramid' is a more complex continuation of his concept, where different geometric shapes are involved. In contrast to his earlier work, this sculpture has a rather irregular character and thus testifies to an evolution of his ideas and execution.

#sollewitt #americanartist #minimalism #conceptual #conceptualart #pyramid #sculpture #artweekly

Art Weekly – News flash Keith Haring, acrylic o

Art Weekly – News flash

Keith Haring, acrylic on canvas, 1987

Met een dynamische en aparte schilderstijl ontplooide de Amerikaan Keith Haring zich tot één van de belangrijkste neopop kunstenaars. Zijn vrolijk dansende figuren pleiten voor levenslust en liefde. Monsterachtige taferelen tonen dan weer de gruwelijke kant van de wereld: ziekte, verderf, dood, racisme, homofobie,…

‘Spitting Duck’ behoort tot één van de werken waarin de kleuren ‘Red, Yellow, Blue’ het thema vormt. Haring realiseerde in 1987 een tentoonstelling beperkt tot deze 3 primaire kleuren en zwart. De 26 werken werden in New York bij Tony Shafrazi tentoongesteld, ze hadden tot doel: een eerbetoon aan de grondleggers van het modernisme en het primitivisme. Het was de tijd dat Aids de schrik van Amerika was. De spugende eend wordt gekweld door een virusmannetje en de blauwe arm houdt het reddend pilletje omhoog, als een goddelijke onbereikbare medicatie.
-----------------------------------
With a dynamic and distinct painting style, the American Keith Haring developed into one of the most important neo-pop artists. His cheerfully dancing figures plead for zest for life and love. Monstrous scenes show the gruesome side of the world: disease, destruction, death, racism, homophobia,…

'Spitting Duck' is one of the works in which the colours 'Red, Yellow, Blue' form the theme. In 1987, Haring realized an exhibition limited to these 3 primary colours and black. The 26 works were exhibited in New York at Tony Shafrazi, with the aim of paying homage to the founders of modernism and primitivism. It was the time when AIDS was America's terror. The spitting duck is tormented by a little virus man and the blue arm holds up the saving pill, like a divinely unattainable medication.

#keithharing #americanartist #popart #neopopart #redyellowblue #newyork #acrylicpainting #artweekly

Art Weekly – News flash Joseph Beuys, silver pa

Art Weekly – News flash

Joseph Beuys, silver paint on magazine, 1979

Joseph Beuys, professor aan de academie van Düsseldorf, nam in de kunstwereld een unieke en invloedrijke plaats in. Vanuit een antroposofische benadering maakte hij gebruik van onconventionele materialen, waarvan vilt en vet de bekendste waren. Begin jaren ’60 kwam hij in contact met de Fluxus-beweging waardoor performances een grote rol gaan spelen in zijn oeuvre. Hierdoor ontstond een directere link tussen de kunstenaar en de toeschouwers, als deel van de maatschappij. Hij hield van de dialoog met het publiek, engageerde zich ook als politiek activist en debatteerde tijdens zijn publieke lezingen.
‘Beuys will be Beuys’ is een bewerkt Soho News magazine waarin het hoofdartikel wordt gewijd aan zijn persoon en zijn tentoonstelling in het Guggenheim museum. Het tijdschrift werd zijn kunstwerk, bewerkt met zilververf, hij maakte het onleesbaar maar tegelijk vereeuwigd als een bundeling van zijn ideeën.
_______________
Joseph Beuys, professor at the Düsseldorf Academy, took up a unique and influential place in the art world. From an anthroposophical approach, he used unconventional materials, of which felt and grease were the best known. In the early 1960s he came into contact with the Fluxus movement, as a result of which performances play a major role in his oeuvre. This created a more direct link between the artist and the spectators, as part of society. He loved the dialogue with the public, also engaged as a political activist and debated during his public lectures.
‘Beuys will be Beuys’ is an edited Soho News magazine in which the main article is devoted to his person and his exhibition at the Guggenheim Museum. The magazine became his work of art, treated with silver paint, he made it illegible but at the same time immortalized as a collection of his ideas.

#josephbeuys #germanartist #magazine #modernart #silverpaint #article #professor #artweekly

Art Weekly – News flash Julian Schnabel, acryl

Art Weekly – News flash

Julian Schnabel, acrylic on tarpaulin, 1990

De Amerikaanse kunstenaar Julian Schnabel is mede verantwoordelijk voor een heropleving van de schilderkunst eind de jaren ’70. Net zoals andere neo-expressionisten ijverde hij voor emotionele uitbundigheid, een reactie op het beredeneerde minimalisme. Niet conventionele materialen zoals gebroken serviezen, fluweel en andere voegden aan zijn werk een sculpturaal aspect toe. Zijn vrije hand en geest vervaagden, ook met woorden, het onderscheid tussen abstractie en figuratie.
Schnabel schilderde ‘Le Clochard a encore Soif’ op een met ‘gingham’ bedrukt zeil afkomstig van de Franse Tati textielketen. Het is niet intellectualistisch in vorm, noch in woord. Zijn drager, afkomstig uit de armenwinkels en bestaande uit 2 aaneen genaaide Tati-doeken, toont het chaotisch leven van een dorstige dakloze. Zijn voetstappen eindigden tot een in tentzeil verwikkeld individu.
_______________________
The American artist Julian Schnabel is partly responsible for a revival of painting in the late 1970s. Like other neo-expressionists, he strived for emotional exuberance, a reaction to reasoned minimalism. Unconventional materials such as broken crockery, velvet and others added a sculptural aspect to his work. His free hand and mind blurred, also with words, the distinction between abstraction and figuration.
Schnabel painted 'Le Clochard a encore Soif' on a 'gingham' printed tarpaulin from the French Tati textile chain. It is not intellectual in form, nor in word. Its support, from the poor stores and consisting of 2 Tati cloths sewn together, shows the chaotic life of a thirsty homeless person. His footsteps ended in a tarpaulin-wrapped individual.

#julianschnabel #americanartist #contemporaryartist #tarpaulin #tati #contemporaryart #neoexpressionism #artweekly

Art Weekly – News flash Franky D.C, oil and acr

Art Weekly – News flash

Franky D.C, oil and acrylic on canvas and x-rays, 1990

De Belgische kunstenaar Franky D.C bewerkt reeds bestaande beelden. Zo ontneemt hij met zijn interactie de betekenis van de oorspronkelijke voorstelling, bevraagt het auteursrechtelijke karakter en creëert een nieuwe presentatie. Aanvankelijk beschilderde hij vlaggen, vaak de Belgische driekleur, met theatraal cartooneske motieven. Daaropvolgend beschildert hij röntgenfoto’s en oude figuratieve schilderijen, hij bedekt het verleden achter eigentijdse abstracte patronen, zuiver van kleur. Zo rekent hij op speelse wijze af met de overvloed aan kunst en beschildert laconiek zijn rivaal of bondgenoot.
In ‘Instinct Double Point’ assembleert Franky D.C röntgenfoto’s en vergane schilderijen. Hij puzzelt de resten van een verleden tot de dragers van zijn nieuw begin. Hij verlegt de grens van de mystiek naar een nieuwe esthetiek. Op een geheel persoonlijke wijze bouwt hij aan een poëtische synthese door gelijkheden en tegenstellingen met elkaar in verband te brengen. Intuïtief schept hij de passende dialoog tussen het heden en het verleden.
_____________________
The Belgian artist Franky D.C edits pre-existing images. In this way he deprives the meaning of the original presentation with his interaction, questions the copyright character and creates a new presentation. Initially he painted on flags, often the Belgian tricolour, with theatrical cartoonish motifs. Subsequently he paints on X-rays and old figurative paintings, he covers the past behind contemporary abstract patterns, pure of colour. In this way he playfully deals with the abundance of art and laconically paints his rival or ally.
In 'Instinct Double Point' Franky D.C assembles X-rays and decayed paintings. He puzzles the remnants of a past into the supports of his new beginning. He pushes the boundaries of mysticism to a new aesthetic. In a completely personal way he builds a poetic synthesis by linking similarities and opposites. Intuitively he creates the appropriate dialogue between the present and the past.

#frankydc #belgianartist #contemporaryart #xrays #paintings #abstract #supports #artweekly

Art Weekly – News flash Tony Cragg, mixed media

Art Weekly – News flash

Tony Cragg, mixed media, 1985

De Britse kunstenaar Tony Cragg, genaturaliseerd tot Duitser, zoekt reeds zijn hele carrière de grenzen van de traditionele beeldhouwkunst. Hij assembleert allerhande gevonden voorwerpen en onderzoekt het verband tussen de mens en de materiële wereld. Vaak bevatten zijn installaties politieke of sociale benaderingen. Cragg heeft ook aandacht voor de relatie tussen mens en natuurlijke vormen en legt de focus op de emotionele beleving. Enerzijds zijn er de bestaande objecten die worden herwerkt tot nieuwe vormen, anderzijds de sculpturen geïnspireerd op de gecompliceerde constructies van natuurlijke organismen.

In ’Tubes’ rangschikt Tony Cragg industriële voorwerpen en als het nieuw geheel ontstaat een synthetische puzzel. Rioolbuizen, als een kronkelend darmstelsel, verbinden objecten van menselijke gebruiksvoorwerpen. Een esthetische vormgeving aan wat anders nooit zo zou worden ervaren.
_______________________
British artist Tony Cragg, naturalized as German, has spent his entire career exploring the boundaries of traditional sculpture. He collected all kinds of found objects and explores the connection between humans and the material world. Often these are political or social approaches. Cragg also pays attention to the relationship between humans and natural forms and focuses on the emotional experience. On the one hand there are the existing objects that are reworked into new forms, on the other hand there are the sculptures based on the complex constructions of natural organisms.

In 'Tubes' Tony Cragg arranges industrial objects and a synthetic puzzle is created as the new whole. Sewer pipes, like a winding intestinal system, connect objects of human utensils. An aesthetic design of what would otherwise never be experienced in this way.

#tonycragg #britishartist #germanartist #sculptor #industrial #materialworld #utensils #artweekly

Art Weekly – News flash Gao Brothers, oil on ca

Art Weekly – News flash

Gao Brothers, oil on canvas, 2006

De Gao Brothers, die de Culturele Revolutie nog meemaakten, behoren tot de eerste generatie van opstandige kunstenaars in China. De twee broers bekritiseren de politieke en sociale veranderingen die hun land heeft gekend. Als voorvechters van de menselijke waardigheid halen zij uit naar de aanwezige corruptie, onderdrukking, manipulatie en ongelijkheid van hun maatschappij.

Onder de naam ‘Arresting Prostitutes’ maakten de broers een aanklacht op de onmenselijke behandeling van jonge vrouwelijke sekswerkers. Deze jonge vrouwen, die zich vaak noodgedwongen prostitueren om te overleven, worden hardhandig opgepakt. Foto’s van hun illegale activiteit werden door de autoriteit online verspreid om hen nog meer ten schande te brengen. De kunstenaars hebben deze beelden uitvergroot op doek en willen hiermee de publiekelijke veroordeling waarmee deze slachtoffers worden geconfronteerd aan de kaak stellen.
________________________
The Gao Brothers, who lived through the Cultural Revolution, belong to the first generation of rebellious artists in China. The two brothers criticize the political and social changes their country has experienced. As protagonists of human dignity, they lash out at the existing corruption, oppression, manipulation and inequality of their society.

Under the name 'Arresting Prostitutes', the brothers made an indictment of the inhumane treatment of young female sex workers. These young women, who are often forced to prostitute themselves to survive, are brutally arrested. Photos of their illegal activity were disseminated online by the authority to further disgrace them. The artists have enlarged these images on canvas in order to denounce the public condemnation these victims face.

#gaobrothers #chineseartist #dissidentart #contemporaryart #oilpainting #humanity #justice #artweekly

Art Weekly – News flash Georges Vantongerloo,

Art Weekly – News flash

Georges Vantongerloo, painted wood, 1918-1922

De Belgische kunstenaar Georges Vantongerloo maakte initieel deel uit van de kunstbeweging De Stijl. Zowel in zijn schilder- als beeldhouwkunst richt hij zich vanaf 1918 volledig op de abstractie, vanuit een mathematische wetmatigheid. Echter, hij distantieert zich al snel van het eerder beperkte gedachtengoed van De Stijl. Zijn geometrische composities evolueren verder door de toepassing van gebogen lijnen, kleurvermengingen en meer aandacht voor het ruimtelijke van zijn open constructies. Zijn passie voor architectuur was toen al merkbaar.
‘Rapport des volumes’ dateert uit de beginperiode van zijn abstractie. Zijn houten wit geschilderde constructies waren louter gebaseerd op verticale en horizontale lijnstructuren. Volgens zijn wiskundige principes zocht hij naar de juiste balans van een volume waarbij de onzichtbare ruimtelijkheid even belangrijk is als het zichtbare.
____________________
The Belgian artist Georges Vantongerloo was initially part of the De Stijl art movement. From 1918 onwards, both in his painting and sculpture, he focuses entirely on abstraction, based on a mathematical regulation. However, he soon distances himself from the rather limited ideas of De Stijl. His geometric compositions evolve further through the use of curved lines, colour mixing and more attention to the spatiality of his open constructions. His passion for architecture was already noticeable even then.
'Rapport des volumes' dates from the early days of his abstraction. His wooden constructions painted white were based purely on vertical and horizontal line structures. According to his mathematical principles, he searched for the right balance of a volume in which the invisible spatiality is just as important as the visible.

#georgesvantongerloo #belgianartist #destijl #sculpture #abstraction #abstractart #math #artweekly

Art Weekly – News flash Roberto Matta, oil and

Art Weekly – News flash

Roberto Matta, oil and clay on canvas, 1950s

Opgeleid als architect ontplooide de in Chili geboren Roberto Matta zich tot kunstenaar. Zijn unieke stijl uitte ook een lyrische abstractie waarmee hij zich eerder van de surrealisten distantieerde en grote invloed had op de latere abstract expressionisten. Vanuit een automatisme, geïnspireerd door het dadaïsme en de psychoanalyse van Freud, schilderde hij zijn onderbewuste verbeelding. WOII en andere politiek-sociale wreedheden leidden zijn oeuvre tot een meer rationele beeldvorming. Zijn nieuwe vormtaal combineert vaak elementen van de moderne technologie waarin een figuratieve onrust merkbaar is.
Matta was, omwille de afkomst van zijn voorouders, meer een Baskische onderzoeker. Zijn zoektocht resulteerde in ‘Untitled’, een werk dat dateert uit de tweede helft van de jaren ’50. Het werk ontstond in de periode waarin de kunstenaar ook klei in zijn olieverf mengde. Zijn kleurrijk kunstwerk bereikte hiermee ook een dieptevariatie in de voorstelling van organische en kosmische levensvormen.
_________________
Trained as an architect, Roberto Matta, born in Chile, developed into an artist. His unique style also expressed a lyrical abstraction with which he rather distanced himself from the surrealists and had a great influence on the later abstract expressionists. From an automatism, inspired by Dadaism and Freud's psychoanalysis, he painted his subconscious imagination. WWII and other political-social atrocities led his oeuvre to a more rational imaging. His new formal language often combines elements of modern technology in which a figurative restlessness is noticeable.
Matta was more of a Basque researcher, because of the origins of his ancestors. His quest resulted in 'Untitled', a work that dates from the second half of the 1950s. The work was created in the period when the artist also mixed clay in his oil paint. His colourful artwork also achieved a depth variation in the representation of organic and cosmic lifeforms.

#robertomatta #chileanartist #surrealism #modernart #cosmic #lifeforms #colorful #artweekly

Art Weekly – News flash Andy Warhol, silkscree

Art Weekly – News flash

Andy Warhol, silkscreen on canvas, 1984

Het popartfenomeen Andy Warhol maakte in de jaren ’80 als het ware een knipoog naar zijn oorsprong als commercieel illustrator. Zijn faam, toen reeds alom aanwezig, heeft menig bedrijf ertoe aangezet om hun product met zijn kunst te verbinden. Andy creëerde vele ontwerpen als reclamewerk in opdracht van talrijke fabrikanten. Volledig in lijn met zijn idee-fixe, het willen geboren zijn als een machine, produceerde deze pop paus naast de oorspronkelijke opdracht ook enkele unieke varianten.

Het was de kunstenaar zelf die eerst een foto van het product nam. Daarop creëerde Warhol een compositie en verwees naar het hoofdingrediënt van de Franse likeur. Zo werd ‘La Grande Passion’ hier gecombineerd met de Passiflora. Met zijn popartstijl voegde hij er levendige en felle kleuren aan toe, ze vloeien als het zoete drankje over zijn doek.
____________________________
In the 1980s, the pop art phenomenon Andy Warhol made a nod, as it were, to his origins as a commercial illustrator. His fame, already omnipresent at the time, prompted many companies to connect their product with his art. Andy created many designs as advertising work for numerous manufacturers. Completely in line with his obsession, wanting to be born as a machine, this pop pope also produced some very unique variants in addition to the original assignment.

It was the artist himself who first took a picture of the product. Warhol then created a composition and referred to the main ingredient of the French liqueur. Thus, 'La Grande Passion' was combined here with the Passiflora. With his pop art style he added vibrant and bright colours, they flow like the sweet drink over his canvas.

#andywarhol #americanartist #popart #silkscreen #lagrandepassion #oncanvas #popartist #artweekly

Art Weekly – News flash Raoul De Keyser, acryl

Art Weekly – News flash

Raoul De Keyser, acrylic on canvas, 1975

De Belgische kunstschilder Raoul De Keyser ontwikkelde een unieke stijl met aandacht voor vorm en structuur als fundamentele onderdelen. De vormelijke inspiratie kwam van landschappelijke elementen en dagdagelijkse objecten, die hij abstraheerde tot een lijnpatroon. Het experiment om het materiële geldt eveneens als een rode draad doorheen zijn oeuvre, waarbij zijn verfmengeling en keuze van ondergrond primeerden.
‘Valgorge’ is het laatste werk uit zijn Hooker-serie, allen met Zuid-Franse naamgeving. Een uitzonderlijke reeks schilderijen toegewijd aan het speciale Hooker-groen, een mengeling van Pruisisch blauw en gummigut (geel pigment). De verticaal opgebouwde lagen op een onbewerkt katoendoek zorgt voor een unieke tonaliteit. Het werk nodigt uit tot de analyse van het technische en materiële om de diversiteit te ondervinden.
_________________
The Belgian painter Raoul De Keyser developed a unique style with attention to form and structure as fundamental parts. The formal inspiration came from landscape elements and everyday objects, which he abstracted into a line pattern. The experimentation of the material also serves as a leitmotif through his oeuvre, in which his paint mixture and choice of surface prevailed.
'Valgorge' is the last work in his Hooker-series, all with southern French names. An exceptional series of paintings dedicated to the special Hooker green, a mixture of Prussian blue and gamboge (yellow pigment). The vertically built up layers on an unprocessed cotton canvas creates a unique tonality. The work invites the analysis of the technical and material in order to experience the diversity.

#raouldekeyser #belgianartist #abstract #hookergreen #modernart #experiment #verticallines #artweekly

Art Weekly – News flash James Rosenquist, mixe

Art Weekly – News flash Marcel Broodthaers, Ph

Art Weekly – News flash

Marcel Broodthaers, Photographic canvas with red and black felt pen, 1967

De Belg Marcel Broodthaers was een dichter die zijn beeldende kunst een sterk literair karakter gaf. In zijn oeuvre vind je zijn poëtische metaforen met talrijke woordspelingen die zijn werk dragen. Broodthaers woord en materie brengen onrust. Zijn veelzijdige verbeelding is strijdig en verwarrend, maar tegelijk een bron vol artistiek verlangen.
‘Le Corbeau et le Renard’ combineert meerdere elementen van een wereldberoemde fabel uit de 17de eeuw. De kunstenaar creëert met ‘La Lecture’ onleesbaarheid die wordt gevoed met het ledig glas dat nogmaals het zinloze vergroot. Alsof de strijd met zichzelf, herleidt de kunstenaar zijn canvas tot een literair vraagteken. Zijn letterobject bewijst het ledige achter de kunst. Wie zijn mentale pijngrens overschrijdt zal als toeschouwer het doel weten te ontcijferen.
_________________________

The Belgian Marcel Broodthaers was a poet who gave his visual art a strong literary character. In his oeuvre you will find his poetic metaphors with numerous puns that carry his work. Broodthaers word and matter cause unrest. His multifaceted imagination is conflicting and confusing, but at the same time a source of artistic desire.
‘Le Corbeau et le Renard’ combines several elements of a world famous fable from the 17th century. The artist creates with ‘La Lecture’ illegibility that is fed with the empty glass that once again magnifies the pointless. As if fighting with himself, the artist reduces his canvas to a literary question mark. His letter object proves the emptiness behind the art. Those who exceed their mental pain threshold will as a spectator be able to decipher the goal.

#marcelbroodthaers #belgianartist #literature #poetry #canvas #emptiness #lecorbeauetlerenard #artweekly

Art Weekly – News flash Jan Voss, acrylic on c

Art Weekly – News flash

Jan Voss, acrylic on canvas, 1977

Eigen aan het werk van de Duitse kunstenaar Jan Voss is het geordend experiment. In het begin typeerde zijn werk zich door een fragmentarische opbouw van figuratieve en losse vormen. Ze waren door een lijnenspel met elkaar verbonden. De kunstenaar abstraheert zijn werk door middel van grafische technieken en het gebruik van allerhande materialen. Zo evolueert zijn oeuvre in de jaren ’80 naar driedimensionale reliëfs die hij creëert aan de hand van collagetechnieken.
Zijn lyrische verven, ‘untitled’ uit de jaren ’70, geven een schriftuur weer van krachtige bewegingen waarbij elke vorm zich verrijkt met een penseelstreek van verzachtende aquarel lijnen. Zijn overvloedig lijnenspel danst overheen zijn doek en biedt een diepte-indruk waarbij de kleuren in elkaar vloeien. In het werk van Jan Voss ervaar je dynamiek ontstaan door evenwicht tussen fragiliteit en beweging.
______________________
The ordered experiment is characteristic of the work of the German artist Jan Voss. In the beginning his work was characterized by a fragmentary structure of figurative and loose forms. They were connected by a line pattern. The artist abstracts his work by means of graphic techniques and the use of all kinds of materials. In the 1980s, his oeuvre evolved into three-dimensional reliefs that he created using collage techniques.
His lyrical paints, 'untitled' from the 1970s, represent a writing of powerful movements in which each form is enriched with a brushstroke of soft watercolour lines. His abundant interplay of lines dances across his canvas and offers an impression of depth in which the colours flow into each other. In the work of Jan Voss you experience dynamics created by balance between fragility and movement.

#janvoss #germanartist #contemporaryartist #acryliconcanvas #contemporaryart #watercolor #lines #artweekly

Art Weekly – News flash Andy Warhol, silkscree

Art Weekly – News flash

Andy Warhol, silkscreen collage, 1977

Binnen zijn oeuvre van zeefdrukken op papier creëerde Andy Warhol ook bijzondere collages. Voorafgaand aan de compilatie wordt elk blad van een kleur voorzien en over het geheel zeeft Warhol dan het portret. Om de expressie van zijn model te accentueren gebruikte hij vaak meerdere kleuren en lagen, bestaande uit gezeefde fotonegatieven en eigen contourlijnen.

Gedateerd in 1977, horen deze grote collages tot zijn oudste. Eén van de collages werd op een New Yorkse krant gedrukt. ’Sachiko Goodman’, een bekende vastgoedmakelaar, was een goed bevriende kunstverzamelaar. Haar portretten sluiten aan bij de talrijke beroemdheden die Warhol ooit vereeuwigde. Het contrast van de achterliggende kleurvlakken en het gitzwart, die hij nogmaals opdikte voor de haartooi, versterkt zijn gelaagde compositie.
__________________
Within his oeuvre of silkscreens on paper, Andy Warhol also created extraordinary collages. Prior to the compilation, each sheet is given a colour and Warhol then silkscreens the portrait over all of them. To accentuate the expression of his model, he often used multiple colours and layers, consisting of screened photo negatives and his own contour lines.

Dated in 1977, these large collages are among his oldest. One of the collages was printed on a New York newspaper. ’Sachiko Goodman’, a well-known real estate broker, was a close art collector friend. Her portraits join the numerous celebrities that Warhol once immortalized. The contrast of the underlying colour fields and the jet black, which he once again thickened for the hairdo, reinforces his layered composition.

#andywarhol #americanartist #popart #collage #portrait #journal #silkscreen #artweekly

Art Weekly – News flash Francisco Goya, oil on

Art Weekly – News flash

Francisco Goya, oil on canvas, 1808-1814

De Spaanse kunstenaar Francisco Goya is één van de belangrijkste pré-modernisten. Zowel in stijl, onderwerp en techniek onttrok deze vernieuwer zich van elke dogma. Ten tijde van de Verlichting verzette hij zich tegen machtsmisbruik, onderdrukking en werd de eerste anarchist binnen de schilderkunst. Omwille zijn “oprechtheid” moest hij meermaals voor de strenge Spaanse Inquisitie verschijnen.
‘Overdracht van de gewonden’ werd in dezelfde periode van zijn befaamd meesterwerk ‘3 mei 1808 in Madrid’ geschilderd. Francisco Goya toont er opnieuw zijn centrale figuur die eerder als een martelaar stierf en nu als een onsterfelijke wordt weggedragen. Vergelijkbaar met taferelen van de graflegging, stelt de kunstenaar hier wederom de gelijkenis met Christus voor. Het oliedoekje, waarvan meerdere tekeningen in het Prado museum te Madrid, toont de dramatische kant van oorlog als een irrationaliteit van lijden, pijn en dood.
________________
The Spanish artist Francisco Goya is one of the most important pre-modernists. In style, subject and technique, this innovator withdrew from any dogma. During the Enlightenment, he resisted abuse of power, oppression and became the first anarchist in painting. Because of his "sincerity" he had to appear several times before the strict Spanish Inquisition.
‘Carrying the Wounded’ was painted in the same period of his famous masterpiece ‘The Third of May 1808 in Madrid’. Francisco Goya again shows his central figure, who previously died as a martyr and is now carried away as an immortal. Similar to scenes of the entombment, the artist here once again depicts the likeness of Christ. The work, of which there are several drawings in the Prado museum in Madrid, shows the dramatic side of war as an irrationality of suffering, pain and death.

#franciscogoya #spanishartist #war #premodernism #reality #thirdofmay1808 #innovator #artweekly

Art Weekly – News Flash We leven in een tijd w

Art Weekly – News Flash

We leven in een tijd waarin we voortdurend in aanraking komen met eigentijdse kunst – het aanbod is groter dan ooit. Nieuwe kunstmusea en galerieën tonen een overvloed aan hedendaagse werken, en steeds vaker worden ze online verhandeld. Toch kan hedendaagse kunst verwarrend zijn en kritiek uitlokken. Dat komt, aldus auteur Adrian David, omdat we de moderne en hedendaagse kunst met verouderde ideeën tegemoet treden. Begrippen als ‘schoonheid’ of ‘verbeelding’ zijn volgens David achterhaald en zetten ons op het verkeerde been wanneer we oog in oog staan met het werk van El Greco, Goya, Manet, Schiele, Bacon, Haring of Banksy. Aan de hand van talrijke voorbeelden denkt David na over kunst en, bij uitbreiding, over het mens-zijn. Het resultaat is een toegankelijk en bijwijlen vlijmscherp boek, rijk geïllustreerd en geschreven door een gepassioneerd kenner en oprecht kunstliefhebber.

--------------------------

We live in an era that constantly exposes us to contemporary art, a greater range of which is on offer than ever before. New art museums and galleries display an abundance of recent works, which are increasingly being traded online. All the same, contemporary art can be confusing and controversial. Adrian David thinks that this is because we approach modern and contemporary art with outdated ideas. He argues in this book that notions like ‘beauty’ and ‘imagination’ have outlived their usefulness. They put us on the wrong track when faced with the likes of El Greco, Goya, Manet, Schiele, Bacon, Haring or Banksy. David draws on all sorts of examples to reflect on art and, by extension, what it is to be human. The result is an accessible, trenchant and richly illustrated book, written by a passionate connoisseur and sincere lover of art.

NL: 978-94-9303-971-1
FR: 978-94-9303-981-0
ENG: 978-94-9303-982-7

#adriandavid #artversusbeauty #arthistory #book #cover #ludion #artweekly #art

Art Weekly – News flash Bram van Velde, gouach

Art Weekly – News flash

Bram van Velde, gouache on paper mounted on canvas, 1959

De Nederlandse kunstschilder Bram van Velde werkte als tiener in een interieurbedrijf. Zijn talent werd snel opgemerkt en zijn baas werd zijn eerste mecenas. Hij kreeg alle middelen om zich als kunstenaar te ontplooien en startte van toen af zijn vele reizen doorheen Europa. Pas eind de jaren ’50 kreeg zijn werk meer aandacht omwille zijn vernieuwende abstracte stijl. Bram van Velde werd hiermee één van de belangrijkste kunstenaars van wat lyrische abstractie wordt genoemd.
‘Compositie’, zoals hij veel van zijn werk betitelde, vat onmiskenbaar de essentie van zijn kunstwerk samen. Zijn doel was het schilderen van een compositorisch geheel, enkel bestaande uit kleur en beweging. Door zijn erg dynamische penseelslag, zijn contrasterende coloriet vol emotionele spanningen, verwezenlijkte de kunstenaar een harmonisch stijlevolutie.
_________________
The Dutch painter Bram van Velde worked as a teenager in an interior design company. His talent was quickly noticed and his boss became his first patron. He was given all funds to develop as an artist and from then on started his many travels throughout Europe. It was not until the late 1950s that his work received more attention because of his innovative abstract style. Bram van Velde thus became one of the most important artists of what is called lyrical abstraction.
'Composition', as he called much of his work, unmistakably summarizes the essence of his artwork. His aim was to paint a compositional whole, consisting only of colour and movement. Due to his very dynamic brushstroke, his contrasting colouration full of emotional tensions, the artist realized a harmonious evolution of style.

#bramvanvelde #dutchartist #gouache #abstractart #lyricalabstraction #composition #modernart #artweekly

Art Weekly – News flash Tony Oursler, projecto

Art Weekly – News flash

Tony Oursler, projector and mannequin, 2000

De Amerikaanse multimedia kunstenaar Tony Oursler geldt als een pionier voor de videokunst van de jaren ‘70. Aan de hand van de technologische mogelijkheden van zijn tijd stelt hij verschillende facetten van de bestaande popcultuur in vraag. Typerend voor Oursler zijn de bewegende beelden van gezichten of zintuigorganen, geprojecteerd op ongewone materialen. Op theatrale wijze betrekt hij de toeschouwer bij de confrontatie tussen realiteit en mimetische beeldvorming, een interactie die zowel sereen als chaotisch kan verlopen.
‘Truncatated Duntata’ is een installatie waarin een etalagepop als scherm dient, waarop een verticale mondprojectie als een sprekende vagina fungeert. Het kunstwerk bespeelt op een narratieve manier de psyche van de toeschouwer die hiermee de vervreemding van zijn eigen lichaam ervaart.
________________
American multimedia artist Tony Oursler is considered a pioneer of video art in the 1970s. Using the technological possibilities of his time, he questions various facets of existing pop culture. Typical for Oursler are the moving images of faces or sense organs, projected on unusual materials. In a theatrical way he involves the viewer in the confrontation between reality and mimetic imagery, an interaction that can be both serene and chaotic.
'Truncatated Duntata' is an installation in which a mannequin serves as a screen, on which a vertical mouth projection functions as a speaking vagina. In a narrative way, the artwork plays on the psyche of the viewer, who experiences the alienation of his own body.

#tonyoursler #americanartist #videoart #contemporaryartist #contemporaryart #senseorgans #projection #artweekly

Art Weekly – News flash Zhang Dali, C-print, 19

Art Weekly – News flash Nam June Paik, mixed m

Art Weekly – News flash

Nam June Paik, mixed media on canvas, 1988

Gefascineerd door de technologische ontwikkelingen in zijn tijd werd Nam June Paik de grondlegger van de videokunst. Begin jaren zestig werd hij lid van de Fluxus-beweging, waarbij er op dadaïstische wijze werd geëxperimenteerd met nieuwe technieken. Aan de hand van manipulatie van beeldvorming zocht Paik naar nieuwe opvattingen van kunst.
In ‘Two hats with wide eyed girl’ combineert hij verschillende disciplines tot een nieuw geheel. Bekend om hun hoeden zien we Joseph Beuys tijdens één van zijn performances, alsook de iconische Amerikaanse acteur Humphrey Bogart. En wellicht Lauren Bacall die met wijd opengesperde ogen op een tweede doek werd gemonteerd onder de twee heren. Paik combineert zijn videobeelden, overgebracht op canvas, met een Afrikaans masker waarmee hij het traditionele verbindt met het eigentijdse.
_________________
Fascinated by the technological developments of his time, Nam June Paik became the founder of video art. In the early 1960s, he became a member of the Fluxus movement, which involved experimenting with new techniques in a Dadaist way. Paik searched for new ideas about art by manipulating imaging.
In 'Two hats with wide eyed girl' he combines different disciplines into a new entirety. Known for their hats, we see Joseph Beuys during one of his performances, as well as the iconic American actor Humphrey Bogart. And perhaps Lauren Bacall who, with wide eyes, was mounted on a second canvas under the two gentlemen. Paik combines his video images, transferred to canvas, with an African mask, connecting the traditional with the contemporary.

#namjunepaik #southkoreanartist #koreanamericanartist #videoart #fluxus #josephbeuys #humphreybogart #artweekly

Art Weekly – News flash George Condo, 1983 De

Art Weekly – News flash

George Condo, 1983

De Amerikaanse kunstenaar George Condo begon zijn carrière in New York waar hij aan de zijde van iconische kunstenaars als Haring, Warhol en Basquiat zijn plaats in de kunstwereld veroverde. Hij ontwikkelde een stijl waarin hij talrijke elementen uit de klassieke en moderne kunstgeschiedenis vervat. Het grootste deel van zijn oeuvre bestaat uit expressieve portretten waarmee hij een emotionele confrontatie opzoekt. Wat Condo zelf benoemd als ‘Artificieel Realisme’ reflecteert de psychologische toestand van elke burger in ons hedendaagse tijdperk.
Dit cartooneske werk dateert uit zijn beginperiode. Een ietwat absurdistisch tafereel geïnspireerd door de surrealistische grootmeesters uit voorgaande decennia. Zijn kunsthistorische kennis vormt de basis van zijn zoektocht naar een heel eigen beeldtaal.
______________________
The American artist George Condo started his career in New York where he secured his place in the art world alongside iconic artists such as Haring, Warhol and Basquiat. He developed a style in which he incorporates numerous elements from classical and modern art history. The majority of his oeuvre consists of expressive portraits with which he seeks an emotional confrontation. What Condo calls ‘Artificial Realism’ reflects the psychological state of every citizen in our contemporary era.
This cartoonish work dates from his early days. A somewhat absurdist scene inspired by the surrealist masters of previous decades. His art-historical knowledge forms the basis of his search for a very unique visual language.

#georgecondo #americanartist #contemporaryartist #artonpaper #surrealism #cartoonish #artweekly

Laad meer... Volg op Instagram