Uitgelicht

Neem voor frequente, korte besprekingen een kijkje op onderstaande Instagram account.
Ontvang je liever een Art Weekly via mail?

ainternationalgallery

An international modern and contemporary art gallery in the centre of Bruges

Art Weekly – News flash Valerio Adami, oil on

Art Weekly – News flash

Valerio Adami, oil on canvas – 1968

De Italiaanse kunstenaar Valerio Adami eigent zich een popart stijl van geordende chaos toe. Al vanaf zijn eerste popartwerken werd deze kunstenaar gewaardeerd in Parijse kunstkringen. Zijn kleurrijk werk kent een gestileerde vlakheid met stevige contouren. ‘I contenitori’ bestaat uit surreële expressies die de toeschouwer uitnodigt om het vormingsproces van het beeld te reconstrueren.

Aanvankelijk schilderde hij woonkamers en badkamers, wat later evolueerde naar politiek, geschiedenis, literatuur en religie. De kunstenaar neemt zijn toeschouwer mee op een filosofische droomreis waarbij hij inspeelt op emoties, verlangens en de herontdekking van schoonheid en creativiteit. Zijn popart brengt een kwinkslag, hip en kleurrijk maar tegelijk een chaotische wanorde tussen fantasie en realiteit.
_____________________
The Italian artist Valerio Adami appropriates a pop art style of arranged chaos. From his first pop artworks, this artist has been appreciated in Parisian art circles. His colourful work has a stylized flatness with firm contours. ‘I contenitori’ consists of surreal expressions that invite the viewer to reconstruct the process of forming the image.

Initially he painted living rooms and bathrooms, which later evolved into politics, history, literature and religion. The artist takes the viewer on a philosophical dream journey in which he responds to emotions, desires and the rediscovery of beauty and creativity. His pop art brings a quip, hip and colourful but at the same time a chaotic disorder between fantasy and reality.

#valerioadami #italianartist #popart #modernart #oilpainting #colourful #artweekly

Art Weekly – News flash Valery Koshlyakov, col

Art Weekly – News flash

Valery Koshlyakov, collage and mixed media on canvas, 1996

Met zijn onderwerpen, die vaak een mijlpaal zijn uit de geschiedenis van kunst en architectuur, reconstrueert Koshlyakov de vergankelijkheid van kunsttradities, cultuur en politiek. Het gebruik van oude karton, gescheurde prenten en tempera zijn gerelateerd aan technieken en materialen waar voorgaande avant-gardisten gebruik van maakten. Het vaak monumentale werk van deze Russische kunstenaar verwijst naar de grootsheid van gefaalde utopieën, en dat wordt in zijn werk bekrachtigd door een veelvoud van losse stukken karton.

‘Town’ bestaat uit architecturale monumenten waarmee hij, aan de hand van een collagetechniek en druipende verf, een nieuwe stad vormt. Een hypothetische beeltenis die een vervallen waarheid vertoont als een ironisch verlangen naar een nieuwe tijd.
_____________________
With his subjects, that are often a milestone from the history of art and architecture, Koshlyakov reconstructs the transience of art traditions, culture and politics. The use of old cardboard, torn imprints and tempera are related to techniques and materials used by previous avant-gardists. The often monumental work of this Russian artist refers to the greatness of failed utopias, and this is confirmed in his work by a multitude of loose pieces of cardboard.

‘Town’ consists of architectural monuments with which he creates a new city, using a collage technique and dripping paint. A hypothetical image showing a dilapidated truth as an ironic longing for a new age.

#valerykoshlyakov #russianartist #contemporaryart #cityscape #mixedmedia #collage #artweekly

Art Weekly – News flash Gunther Uecker, mixed

Art Weekly – News flash

Gunther Uecker, mixed media – 1989

In de jaren ’60 was Gunther Uecker lid van de in Düsseldorf opgerichte groep ZERO, gekenmerkt door het monochroom werk. Zen-boeddhistisch meditatief sloeg hij spijkers in het hout die hij slechts deels liet binnendringen. Alsof uit elk van zijn vooraf gekozen vormen, organisch ontsproten nagelspiralen zijn ontstaan, zo bewees de kunstenaar hoe licht en beweging ritmisch met de nagelschaduwen dansen.

'Dreieck' is reeds een verdere evolutie van zijn spijker-reliëfs. In tegenstelling tot zijn ouder werk, meestal kleurloos (wit) en met een meer geordend spijker motief, merken we hier een overgave aan het materiaal. De nagels zijn chaotisch platgeslagen waarop het geheel overdekt met een laag van kolen, as en lijm.
__________________
In the 1960s, Gunther Uecker was a member of the art group ZERO founded in Düsseldorf, characterized by the monochrome work. In a Zen-Buddhist meditative state, he hit nails in the wood which he allowed to penetrate only partly. As from each of his preselected shapes, nail spirals sprouted organically, the artist proved how light and movement dance rhythmically with the nail shadows.

'Dreieck' is already a further evolution of his nail reliefs. In contrast to his older work, usually colourless (white) and with a more ordered nail motif, we notice here a surrender to the material. The nails are chaotically flattened and covered with a layer of coal, ash and glue.

#güntheruecker #germanartist #nails #zeromovement #modernart #mixedmedia #monochroom #artweekly

Art Weekly – News flash Berlinde De Bruyckere,

Art Weekly – News flash

Berlinde De Bruyckere, mixed media – 2004

Met een humanisme dat de aandacht vestigt op de absolute emotie creëert Berlinde De Bruyckere getormenteerde sculpturen. Menselijke lichamen ontbreken een gezicht en vermijden een directe communicatie. Het leed, het menselijk restant zelf, bestaat uit huiveringwekkende vlezige was-sculpturen die de ordening van onze geest verwarren. De mystieke beeldtaal van deze Belgische kunstenares getuigt van dramatiek en erotiek.
Aantrekking en afkeer, leven en dood - het is terug te vinden in het werk Head - een paardenhoofd dat werd ontnomen van alle zintuigen. Wat hier luguber lijkt biedt iets sereens, alsof het smeekt om met tederheid gestreeld te worden. De zich van kwetsbaarheid bevrijdende fluwelige dierenhuiden biologeren onszelf.
__________________
With a humanism that draws attention to the absolute emotion, Berlinde De Bruyckere creates tormented sculptures. Human bodies lack a face and avoid direct communication. The suffering, the human remnant itself, consists of eerie fleshy wax sculptures that confuse the order of our minds. The mystical visual language of this Belgian artist testifies to drama and eroticism.
Attraction and aversion, life and death – it can be found in the work Head – a horse’s head deprived of all senses. What seems sinister here offers something serene, as if it begs to be caressed with tenderness. The velvety animal skins, freeing themselves from vulnerability, mesmerize ourselves.

#berlindedebruyckere #belgianartist #sculpture #horsehead #contemporaryart #artweekly

Art Weekly – News flash Paul KLEE, aquarel -

Art Weekly – News flash

Paul KLEE, aquarel - 1927

Deze Zwitserse kunstenaar was autodidact en onderzocht de abstractie van de kunst aan de hand van technieken en materialen. Gedreven door kinderlijke spontaniteit en fantasie abstraheerde Paul Klee de werkelijkheid tot loutere geometrische vormen. Hij werd met aandacht voor klassieke kunsten en andere culturen de ironische verzoener van tegenstellingen binnen de door de mens geordende natuur en het daarin aanwezige, onvermijdelijke ‘systeemdefect’.

Neues im Luftbereich is een schilderkunstige verzoening van de Westerse avant-garde met Oosterse en primitieve elementen. Zijn expressionistische stijl lijkt naïef, maar getuigt wel van een absolute bewustzijn.
______________________
This Swiss artist was autodidact and investigated the abstraction of art using techniques and materials. Driven by childlike spontaneity and fantasy, Paul Klee abstracted reality into mere geometric shapes. With attention for classical arts and other cultures, he became the ironic reconciler of contradictions within human-ordered nature and the inevitable ‘system defect’ present in it.

Neues im Luftbereich is a painterly reconciliation of the Western avant-garde with Eastern and primitive elements. His expressionistic style seems naïve, but proofs an absolute consciousness.

#paulklee #aquarelle #abstractart #expressionism #swissartist #spontanious #abstraction #artweekly

Art Weekly – News flash Liu Wei, books, wood a

Art Weekly – News flash

Liu Wei, books, wood and iron - 2013

Liu Wei leeft in een land die met enorme snelheid evolueert en behoort tot de nieuwe generatie van Chinese kunstenaars. De globalisatie heeft een rechtstreekse impact op het landschap, wat tevens sociaaleconomische gevolgen met zich meebrengt.

Het monumentaal werk ‘Library’, bestaande uit tienduizenden op elkaar geperste boekpagina’s, bouwt de nieuwe verstedelijking. Liu Wei biedt zowel letterlijk als figuurlijk een kritisch hellend gestalte aan de urbanisatie en het materialisme. Zijn wolkenkrabbers bestaan uit samengeperste boeken en insinueren de vervanging van de eeuwenoude hoge Chinese culturele traditie door de nieuwe toepassingen van het nieuwe China, alsook in de rest van de wereld.
__________________
Liu Wei lives in a country that evolves at an enormous speed and belongs to the new generation of Chinese artists. The globalisation has a direct impact on the landscape, which also has socio-economic consequences.

The monumental artwork ‘Library’, consisting of tens of thousands book pages pressed together, builds the new urbanization. Liu Wei offers both literal and figurative a critically sloping shape to the urbanization and materialism. His skyscrapers consist of compressed books and insinuate the replacement of the ancient high Chinese cultural tradition with the new applications of the new China, as well as in the rest of the world.

#liuwei #chineseartist #cityscape #books #urbanization #materialism #cultural #socioeconomicart #artweekly

Art Weekly – News flash Antonio Saura, oil pai

Art Weekly – News flash

Antonio Saura, oil painting – 1960

Vechtend tegen de ziekte tuberculose begon hij kort na WOII met schilderen en schrijven. Na enkele jaren van zelfonderzoek, ontwikkelde Antonio Saura eind jaren ’50 zijn vernieuwende stijl. Als medeoprichter van de Spaanse kunstgroep El Paso en vertegenwoordiger van de Europese informele kunst, was vooral het Amerikaans abstract expressionisme zijn voornaamste inspiratiebron.
Terwijl in Spanje de fascistische dictator Franco heerst, maakt Saura verscheurende, denkbeeldige portretten. Zijn zelfportret ontstaan te midden van een slagveld van ‘grijs- en bruintonen’ die strijd leveren met het ‘zwart’. Zijn werk is een uitdrukking van zijn eigen lijden. Hij was een radicaal socialist die zich onafgebroken tegen een onrechtvaardige wereld verzette.
_________________
Fighting against tuberculosis, he started painting and writing shortly after WWII. After a few years of self-examination, Antonio Saura developed a new style by the end of the 1950s. As co-founder of the Spanish art group El Paso and representative of the European informal art, mostly the American abstract expressionism was his main source of inspiration.
While in Spain the fascist dictator Franco reigns, Saura makes gruesome, imaginary portraits. His self-portrait is one of his earliest works and was created in the middle of a battlefield where ‘grey and brown tones’ clash with ‘black’. His work is an expression of his own suffering. He was a radical socialist who constantly resisted an unjust world.

#antoniosaura #spanishartist #selfportrait #dictatorship #informalart #elpaso #abstractexpressionism #artweekly

Art Weekly – News flash René Magritte, gouach

Art Weekly – News flash

René Magritte, gouache - 1956

Trouw aan zijn stijl is de Belgische kunstschilder René Magritte wereldwijd één van de belangrijkste vertegenwoordigers van het surrealisme. Zijn werk is communicatief, zijn literaire humor bespeelt een beeltenis en hij roept bij de toeschouwer twijfel en vragen op. In menig materie meestert de kunstenaar de ironische contradicties en metamorfoses, waarbij de illusie wordt versterkt door een poëtische titel.

'Une partie de plaisir' plaatst de kunstliefhebber tussen schilderkunst en poëzie. Magritte berooft het onderwerp van zijn identiteit en wordt de dader van het raadsel dat de werkelijkheid doet wankelen. Binnen zijn vele thema’s hoort ‘de gemaskerde appel’ en ‘het licht’ tot één van de topfavorieten voor verzamelaars.
_____________

True to his style, the Belgian painter René Magritte is worldwide one of the most important representatives of surrealism. His work is communicative, his literary sense of humour plays with an image and he raises doubts and questions with the viewer. In many materials the artist masters the ironic contradictions and metamorphoses, where the illusion is increased by a poetic title.

'Une partie de plaisir' puts the art lover between painting and poetry. Magritte strips the subject of its identity and becomes the perpetrator of the riddle that shakes the reality. Within his many themes, ‘the masked apple’ and ‘the light’ belong to one of the top favourites for collectors.

#renemagritte #belgianartist #surrealism #mask #apple #gouache #colourful #artweekly

Art Weekly – News flash Hans Fohan, oil on can

Art Weekly – News flash

Hans Fohan, oil on canvas, 2009

Zijn witte doek biedt fysieke en mentale ruimte in een tijd vol overdaad en chaos. Deze Belgische kunstenaar omarmt op serene wijze de ‘Amor Vacui’ of de ‘liefde voor de leegte’. Fohan schildert de essentie als een belangrijk detail van een universum en roept hiermee een dialoog op met de toeschouwer.
Hans Fohan kiest principieel de nauwkeurig biomorfe vorm en begrenst hiermee de perfecte balans op het witte doek. Zijn ‘tabula rasa’ gaan bij elke aanzet op de rem en dringen zich niet verder op. Totaal vernieuwend in de schilderkunst ontwikkelt Fohan een stilte in een rusteloze wereld en leidt de toeschouwer naar de ultieme confrontatie van de schilderkunst.
________________
His white canvas offers physical and mental space in a time full of excess and chaos. This Belgian artist serenely embraces the ‘Amor Vacui’ or the ‘love for emptiness’. Fohan paints the essence as an important detail of a universe and thus evokes a dialogue with the viewer.
Hans Fohan principally chooses the precise biomorphic shape and thus limits the perfect balance on the white canvas. His ‘tabula rasa’ hold back from any impulse and do not impose themselves any further. Totally innovative in painting, Fohan develops a silence in a restless world and leads the viewer to the ultimate confrontation of painting.

#hansfohan #belgianartist #amorvacui #minimalism #abstract #contemporaryart #artweekly

Art Weekly – News flash Gao Brothers, The exec

Art Weekly – News flash

Gao Brothers, The execution of Christ – bronze 2009

Gao Zhen en Gao Qiang vertegenwoordigen een generatie die niet langer bereid is de Mao-cultus te volgen. Zij gelden als verzetsstrijders in de kunst, vechtend om hun vrijheid van meningsuiting. Met hun kennis van de westerse cultuur en geschiedenis brengen zij, samen met andere dissidenten, vernieuwing in de universele kunstgeschiedenis.
The Execution of Christ demonstreert de clash tussen Mao (China) en Christus (het Westen), tussen wreedheid en onschuld, tussen communistische onderdrukking en de martelaar van de vrijheid. Gebaseerd op de compositie van Manets Executie van Maximiliaan creëerden zij een wereldomvattend meesterwerk. De emotionele geladenheid van dit kunstwerk uit kritiek, maar brengt ook een opportuniteit van bewustwording en vergeving.
________________

Gao Zhen en Gao Qiang represent a generation that is no longer willing to follow the Mao cult. They are active as resistance fighters in the art, fighting for their freedom of speech. With their knowledge of the Western culture and history, they bring, along with other dissidents, innovation in the universal art history.
The Execution of Christ demonstrates the clash between Mao (China) and Christ (the West), between cruelty and innocence, between communist oppression and the martyr of freedom. Based on the composition of Manet’s Execution of Emperor Maximilian, they created a global masterpiece. The emotional tension of this artwork expresses criticism, but also offers an opportunity of awareness and forgiveness.

#gaobrothers #chineseartists #dissidentart #bronze #sculptures #criticalart #executionofchrist #artweekly

Art Weekly – News flash Crash, graffiti on woo

Art Weekly – News flash

Crash, graffiti on wood and canvas, 1986

Deze Amerikaanse kunstenaar groeide op in de Bronx en begon graffiti te spuiten als tiener, vooral de metro’s van New York waren zijn doelwit. Tijdens de jaren ’70 en ’80, de artistieke gloriejaren van New York, werd zijn CRASH-signatuur door iedere metroreiziger gezien. Door stijgende appreciatie van galerijen en op aandringen van Keith Haring, begon Crash tegen de jaren ’80 ook op canvas te werken. Naast de vormgeving van letters en woorden, is vooral zijn stripachtige stijl herkenbaar van zijn hand.
De losse stukken hout, gemonteerd op het canvas, geven Irrestible als het ware een extra dimensie. Zijn gebruikelijke medium en techniek, vrij en niet afgebakend alsof zijn beeltenis doorloopt, ondersteunen de uitstraling van zijn onweerstaanbare straatkunst.
__________________
This American artist grew up in the Bronx and started to spray paint as a teenager, mostly the subway trains of New York were his target. During the 70s and 80s, New York’s artistic glory years, his CRASH-signature was seen by every subway rider. Because of gaining appreciation by galleries and at the urging of Keith Haring he started by the 1980s to work on canvas as well. Besides the design of letters and words, mostly his comic-like style is recognizable from his hand.
The loose pieces of wood, mounted on the canvas, give Irrestible an extra dimension, as it were. His usual medium and technique, free and not demarcated as if his image is continuous, support the appearance of his irresistible street art.

#crash #johnmatos #americanartist #graffiti #streetart #popart #contemporaryartist #artweekly

Art Weekly – News flash Christian Boltanski, mi

Art Weekly – News flash

Christian Boltanski, mixed media, 1989

De tijdens de oorlog geboren Franse kunstenaar met Joodse origine stierf recent op de Franse nationale feestdag. Christian Boltanski houdt een sociologische opstelling in de kunst in stand, waarbij hij het individu wil opdiepen uit de opgeborgen historische archieven. Met zijn 'Spurensicherer' reconstrueert hij het verleden vanuit fotografie, video en opgelapt speelgoed.

Le reliquaire verwijst naar het trauma van de Holocaust. Een installatie waarbij de foto van een vermoord kind wordt vereerd als een relikwie, vele kleine lampjes nemen de functie van bidkaarsjes over. De kunstenaar brengt hier een encyclopedische rationaliteit, als het ware een monument van de dood.

__________________

The French artist of Jewish origin, born during the war, recently died on the French national holiday. Christian Boltanski maintains a sociological position in art, in which he wants to dig up the individual from the stored historical archives. With his ‘Spurensicherer’, he reconstructs the past from photography, video and mended toys.

Le reliquaire refers to the trauma of the Holocaust. An installation in which the photo of a murdered child is venerated as a relic, many small lights take over the function of prayer candles. The artist presents here an encyclopaedic rationality, a monument of death, as it were.

#christianboltanski #frenchartist #installationart #Holocaust #jewish #sociologicalart #artweekly

Art Weekly – News flash Changwon Lee, reflecti

Art Weekly – News flash

Changwon Lee, reflection on wood, 2007

Deze Zuid-Koreaanse kunstenaar creëert een optische illusie ontstaan door reflectie. Zijn horizontaal verborgen verfmassa weerspiegelt zich op zijn verticale drager, naargelang het licht en de kleur. Changwon Lee bespeelt de drager van het portret vanuit de transformatie die elk van zijn onderwerpen vooraf aan zichtbaarheid ondergaan.
Het bijzondere portret van Francis Bacon is opgebouwd aan de hand van beschilderde dunne horizontale latten. Met het daglicht ontstaat het optisch effect en reflecteert de horizontale verf zich op het witte vlak. Slechts de illusie van de aanwezige beeltenis vormt hier het ware kunstwerk.
----------------
This South-Korean artist creates an optical illusion that arises from a reflection. His horizontal hidden mass of paint reflects on his vertical support, depending on the light and the colour. Changwon Lee plays with the support of the portrait from the transformation that each of his subjects undergoes prior to visibility.
The special portrait of Francis Bacon is constructed of painted thin horizontal slats. The daylight creates the optical effect and the horizontal paint is reflected on the white surface. Only the illusion of the present image constitutes the true artwork here.

#changwonlee #southkoreanartist #reflection #onwood #opticart #portrait #artweekly

Art Weekly – News flash BANKSY, spraypaint on

Art Weekly – News flash

BANKSY, spraypaint on cardboard – 2003

Deze hedendaagse kunstenaar, die er alles aan doet zijn identiteit geheim te houden, is een wereldwijde actuele boodschapper. Banksy predikt zijn universele politiek, cultureel en ethisch engagement op een magische wijze van straatcommunicatie. Zijn satirische stijlfiguren brengen ons universele thema’s als bommen en granaten, geweren en tanks, apen en mensen. Zijn sociaal geëngageerde straatkunst grijpt de mens naar de keel maar biedt tegelijk binnen het politiek landschap macht aan het volk.
Smiling Cop werd gemaakt met zijn vluchtige sjabloontechniek in 2003. Als ‘illegale’ straatkunstenaar steekt hij graag de draak met de autoriteiten. Met een welgekende smiley contrasteert hij hier de grimmige oproerpolitie die met wapens de burgers onder dwang houden.
------------------
This contemporary artist, who does everything to keep his identity secret, is an worldwide current messenger. Banksy preaches his universal political, cultural and ethical commitment in a magical way of street communication. His satirical stylistic devices bring us universal themes such as bombs and grenades, guns and tanks, monkeys and humans. His socially engaged street art grabs people by the throat, but at the same time offers power to the people within the political landscape.
Smiling Cop was made with his quick stencil technique in 2003. As ‘illegal’ street artist, he likes to mock the authorities. With a well-known smiley he contrasts here the grim riot police who use weapons to keep civilians under duress.

#banksy #britishartist #spraypaint #graffiti #graffitiart #smiley #contemporaryart #artweekly

Art Weekly – News flash DON EDDY, oil on canv

Art Weekly – News flash

DON EDDY, oil on canvas - 1971

Deze Amerikaanse kunstschilder is één van de grondleggers van het fotorealisme, een postmoderne neutrale werkelijkheidsweergave die volgt op de popart. Foto’s, van dezelfde opstelling van objecten vanuit verschillende hoeken, vormden de basis van zijn werk. De kunstenaar gaf hiermee een andere perceptie door het uitdiepen van wat niemand eerder bij de eerste aanblik waarneemt. Don Eddy is gepassioneerd door de reflectie in ruiten, carrosserieën, chroomwerk,… de vervorming van de werkelijkheid weergeven binnen zijn nieuwe fotorealisme.

In de jaren ’70 waren auto’s een begeerd onderwerp voor zijn schilderijen. Zijn favoriet, de bolvormige Volkswagen, bood vele blinkende onderdelen met talrijke reflecties. Don Eddy vestigt de aandacht van de kunstliefhebber op deze details en datgene waar het blote oog niet op zou letten. Hij beschreef zichzelf ooit als een ‘obsessief-compulsieve precisie-expert’.
________________

This American artist is one of the founders of photorealism, a postmodern neutral reality representation that follows the pop art. Photos, from different angles of the same setup of objects, constituted the base of his work. In doing so, the artist gave a different perception by deepening what no one else perceives at first sight. Don Eddy is passionate about the reflection in windows, body work, chrome,… depicting the distortion of reality within his new photorealism.

In the 1970s, cars were a coveted subject for his paintings. His favourite, the spherical Volkswagen, offered many shiny parts with numerous reflections. Don Eddy draws the attention of the art lover to these details and what the naked eye would not notice. He once described himself as an “obsessive-compulsive precision expert”

#doneddy #americanartist #hyperrealism #cars #reflection #photorealism #painting #artweekly

Art Weekly – News flash E m i l N O L D E ,

Art Weekly – News flash

E m i l N O L D E , aquarel - 1946

Deze Duitse kunstenaar woonde niet ver af van de Deense grens en koos zijn kunstenaarsnaam naar zijn geboortedorp. Hij was een vroeg expressionist en lid van de Duitse kunstenaarsgroep ‘Die Brücke’. Tijdens de tweede wereldoorlog werd zijn werk geklasseerd onder de ‘entartete kunst’, Emil Nolde mocht zelfs daarom niet meer schilderen. Nolde trok zich terug in het kustdorpje Seebüll, waar zich vandaag nog steeds de foundation bevindt.

Onder de noemer Ungemalte Bilder creëerde hij een reeks kleine aquarellen. Meeraquarell mit Boot bewijst zijn technische vaardigheid alsook zijn gevoel voor stilistische vernieuwing. Met een ongeremde emotie verving hij de omtrekken van elk onderwerp door krachtige expressieve vormen in een expansief coloriet.
_____________

This German artist lived close to the Danish border and chose his artist name after his birthplace. He was an early expressionist and member of the German art group ‘Die Brücke’. During World War II, his work was classified as ‘degenerate art’, for that reason Emil Nolde was even no longer allowed to paint. Nolde withdrew to the coastal village Seebüll, where the foundation is still located today.

Under the name Ungemalte Bilder, he created a series of small watercolours. Meeraquarell mit Boot proves his technical skill as well as his sense of stylistic innovation. With an unrestrained emotion, he replaced the contours of every subject with powerful expressive shapes in an expansive colouring.

#emilnolde #germanartist #watercolour #aquarel #expressionism #seebüll #artweekly

Art Weekly – News flash DENNIS OPPENHEIM, 8mm

Art Weekly – News flash

DENNIS OPPENHEIM, 8mm film video tape - 1970

De earth art-projecten van Dennis Oppenheim tonen de relatie tussen de mens en de natuur. Hij onderzoekt de onbetwistbare dominante sporen van de mens en gebruikt hiervoor ook zijn eigen lichaam. In zijn body art bewijst Oppenheim zich als een onderdeel van het universum en demonstreert onder andere hoe de zon zijn huid verbrandt. Ander werk toont zijn publieke monumentale sculpturen, zij accentueren de impact op de menselijke samenleving.

In het experiment Rocked Circle – Fear plaatst de kunstenaar zich als een gevangene in de gelimiteerde ruimte van een cirkel, waar hij zich laat ‘stenigen’. Een videotape legt deze performance vast en toont hiermee zijn directe gelaatsuitdrukkingen. Het zijn de menselijke reacties van angst.

_____________

The earth art-projects of Dennis Oppenheim show the relation between humans and nature. He investigates the indisputable dominant traces of man and also uses his own body for this. In his body art, Oppenheim proves himself to be a part of the universe and demonstrates, among other things, how the sun burns his skin. Other work shows his public monumental sculptures, they accentuate the impact on human society.

In the experiment Rocked Circle – Fear, the artist places himself as a prisoner in the limited space of a circle, where he is ‘stoned’. A videotape records this performance and shows his direct facial expressions. These are human reactions of fear.

#dennisoppenheim #americanartist #earthart #bodyart #performance #expressions #artweekly

Art Weekly – News flash Egon Schiele, charcoal

Art Weekly – News flash

Egon Schiele, charcoal and indian ink, 1909

Het summum van de schoonheid vind je in de confrontatie met Egon Schiele zijn erotische tekeningen, als geliefde droomflarden. Hij tekende de schaamteloze eerlijkheid waarbij de ontlokkende seksualiteit de lust bood aan wie van het leven houdt. Zijn modellen, soms ook minderjarigen, balanceerden in uitdagende poses en met een erotische directheid op de rand van pornografie.
In de jaren 1910 was dit ondenkbaar en op 22-jarige leeftijd werd hij voor zijn meesterlijke tekeningen gearresteerd. Als onderdeel van zijn artistieke hoogstandjes tekende hij ook zelfportretten met een emotionele subtiliteit van dramatiek vervreemd in duistere gedachten.
_____________

The pinnacle of beauty can be found in the confrontation with Egon Schiele’s erotic drawings, as adored fragments of dreams. He drew the shameless honesty where the elicited sexuality offered lust to those who love life. His models, sometimes minors, balanced in challenging poses and with an erotic immediacy on the edge of pornography.
In the 1910s this was unthinkable and at the age of 22 he was arrested for his masterful drawings. As part of his artistic masterpieces, he drew self-portraits with an emotional subtlety of drama alienated in dark thoughts.

#egonschiele #austrıanartist #selfportrait #drawing #naked #dramatic #erotic #artweekly

Art Weekly – News flash Gao Qiang, oil on canva

Art Weekly – News flash

Gao Qiang, oil on canvas, 2003

In 1966, op 72 jarige leeftijd, zwom Mao Zedong de kolkende Yangtze rivier over. De dictatoriale Chinese leider had hiermee als doel zijn volk zijn fitheid te bewijzen maar de zwemtocht had tevens een politieke lading.
Aan de hand van persfoto's heeft Gao Qiang een reeks 'Swimming Mao' geschilderd. Met technische vaardigheid creëerde hij deze kritische taferelen waarbij Mao zich scherp contrasteert met het bloederig water om zich heen. Gezien deze gebeurtenis plaats vond aan de vooravond van de Culturele Revolutie, stelt de kunstenaar een 'werkelijkheid' in vraag. Gao Qiang herinnert ons met dit werk aan het begin van een wreedaardig historisch kantelpunt uit de Chinese geschiedenis.
_________________

In 1966, at the age of 72, Mao Zedong swam across the swirling Yangtze river. The goal of the dictatorial Chinese leader was to proof his fitness to his people, but the swim also had a political meaning.
Based on press photographs, Gao Qiang painted a series of 'Swimming Mao'. With technical skill he created critical scenes in which Mao contrasts sharply with the bloody water around him. Since this event took place on the verge of the Cultural Revolution, the artist questions a 'reality'. With this work Gao Qiang reminds us of the beginning of a cruel historical tipping point from the Chinese history.

#gaoqiang #chineseartist #maozedong #swimming #oilpainting #contemporaryart #redpainting #artweekly

Art Weekly – News flash JAMES ENSOR, oil on ca

Art Weekly – News flash

JAMES ENSOR, oil on canvas, 1939

Hij leek visionair en schonk ons op zijn eigenzinnige wijze een oeuvre met veel kritiek op de maatschappij, de religie en de kunstwereld. Deze baanbrekende vernieuwer had artistiek tekentalent en was een uitzonderlijk schilder met een uniek kleurenpalet. Ensor linkte zijn werk aan het symbolisme maar vertoont ook impressionistische en expressionistische eigenschappen.

In Christus en de engelen portretteert hij zich als het Christusfiguur, een vereenzelviging die voortkomt uit zijn stroeve relatie met de kunstwereld. Aan de hand van deze religieuze thematiek symboliseert hij zijn lijden als kunstenaar. De middelste engel weent, zij is ‘Dame Peinture’ en stelt zijn muze voor. James Ensor ligt naast zijn doornenkroon en stelt zich voor als een dode Christus, hij die zal herrijzen. Ensor is hier de miskende kunstenaar die de pure kunst creëert. Op subtiele wijze bekritiseert hij het kerkelijke instituut op de achtergrond, de drie kruisen doorboren het lichaam van Maria Magdalena die verborgen zit in de vorm van de calvarieberg.
------
He seemed visionary and he presented, in his idiosyncratic way, an oeuvre with a lot of criticism on society, religion and the art world. This pioneering innovator had an artistic talent for drawing and was an exceptional painter with a unique colour palette. Ensor linked his work to symbolism, but also shows impressionistic and expressionistic qualities.

In Christ and the angels he portrays himself as the Christ figure, an identification that arises from his strained relationship with the art world. By using this religious theme, he symbolizes his suffering as an artist. The angel in the middle weeps, she is ‘Dame Peinture’ and represents his muse. James Ensor lies next to his crown of thorns and presents himself as a dead Christ, he who will resurrect. Ensor is here the misunderstood artist who creates the pure art. He subtly criticizes the ecclesiastical institution in the background, the three crosses pierce the body of Mary Magdalene, which is hidden in the shape of the Calvary.

#jamesensor #belgianartist #symbolism #Christ #selfportrait #criticalart #artweekly

Art Weekly – News flash CLAUDE VIALLAT, acryli

Art Weekly – News flash Nam June Paik, mixed m

Art Weekly – News flash

Nam June Paik, mixed media – 1990

Deze Zuid-Koreaanse pionier van de videokunst en spilfiguur van de Fluxus-beweging speelde in de zestiger jaren op een toegetakelde piano waaraan allerlei attributen gehecht. Nam June Paik was hiermee de eerste componist van de akoestische anarchie. Met synthesizers mengde hij technologische middelen om het nieuw beeld. Deze kunstenaar maakte TV-tuinen en creëerde ook zijn kunst in lege zwembaden. Hij combineerde meerdere monitoren met allerlei objecten en toonde zijn grote installatiewerken op allerlei schermen.
Voor Antares communiceerde Paik met elektronische media en vervormde zijn videotapes tot abstracte weergaven. Dit kunstwerk kent geen stabiele beelden maar weergeeft een aaneenschakeling vol onrust voor het oog. De kunstenaar leidt met zijn vele beeldschermen de toeschouwer bewust in de intellectuele chaos van zijn tijd.
________________

During the 60s, this South-Korean pioneer of video art and key figure of the Fluxus-movement played on a damaged piano to which all kinds of objects were attached. With this, Nam June Paik was the first composer of the acoustic anarchy. With synthesizers he mixed technological instruments to create the new image. This artist made TV-gardens and also created his art in empty pools. He combined several monitors with various objects and showed his big installations on all kinds of screens.
For Antares, Paik communicated with electric media and distorted his video tapes to abstract images. This artwork has unstable images but displays a concatenation full of unrest for the eye. With his many screens, the artist consciously leads the viewer into the intellectual chaos of his time.

#namjunepaik #southkoreanartist #videoart #fluxusmovement #mixedmedia #artweekly

Art Weekly – News flash Z H A N G D A L I, A

Art Weekly – News flash

Z H A N G D A L I, AK-47, 2012

Onder een kritische codenaam ‘AK-47’, de Russische Kalasjnikov, maakte Zhang Dali portretten van migrantenarbeiders en symboliseert hiermee de onderdrukking van zijn Chinese medeburgers. Infrastructuurwerken in opdracht van de overheid resulteerden hierdoor op korte tijd in machtige grootsteden die China op de wereldkaart bracht.

Met groot empathisch vermogen gaf deze Chinese dissidente kunstenaar de arbeider, die in erbarmelijke omstandigheden leeft, opnieuw een gezicht en waardigheid. “Ik geloof dat mensen het product zijn van hun omgeving. Ik maak me zorgen over de veranderingen in onze leefomgeving die zijn opgelegd door geld en macht.” Met eenzelfde kritische noot beeldhouwde Zhang Dali ook zijn ‘Offsprings’, een mensengroep die allen als objecten omgekeerd worden opgehangen aan het plafond.

_______________

Under a critical code name ‘AK-47’, the Russian Kalashnikov, Zhang Dali made portraits of migrant workers, symbolizing the oppression of his Chinese fellow citizens. Infrastructure works commissioned by the government therefore resulted in short time in powerful metropolitan areas that put China on the world map.

With great empathy the dissident Chinese artist gave the worker, who lives in appalling conditions, a face and dignity. “I believe that humans are the product of their environment. I am concerned about the changes in our living environment that have been imposed by money and power.” With the same critical note Zhang Dali also sculpted his ‘Offsprings’, a group of people who are all hung upside down from the ceiling like objects.

#ZhangDali #chineseartist #dissidentart #AK47 #contemporaryart #portraits #painting #artweekly

Art Weekly – News flash HERMANN NITSCH, Orgien

Art Weekly – News flash

HERMANN NITSCH, Orgien-Mysterien-Theater, 1989

Deze Oostenrijkse kunstenaar, met grote interesse voor filosofie en psychologie, is één van de grondleggers van het Weense Aktionisme dat nauw is verbonden met de Fluxus-beweging. Hij bekritiseerde de Westerse cultuur en zijn consumptiegedrag, en geïnspireerd door oude offerrituelen zocht hij de grenzen van de kunst.

Onder de naam ‘Orgien-Mysterien-Theater’ voerde hij bloederige happenings uit. De kunstenaar, met literaire interesses, bevrijdde zich hiermee van de maatschappelijke ordening om als het ware terug te keren naar de oerdriften van de mens. De wereld is schijnheilig, zo dacht hij, en wou met lugubere beeldende kunst allerlei taboes doorbreken. Hermann Nitsch bracht in een naoorlogse context de artistieke zuivering door ‘wedergeboorte’.

______________

This Austrian artist, with great interest for philosophy and psychology, is one of the founders of Viennese Actionism which is closely associated with the Fluxus movement. He criticized the Western culture and its consumption behaviour, and inspired by old sacrificial rituals he searched for the boundaries of art.

Under the name ‘Orgien-Mysterien-Theater’, he executed bloody happenings. The artist, with literary interests, freed himself from the social order to return, as it were, to the primal urges of mankind. The world is hypocrite, so he thought, and wanted to break through all kinds of taboos with lurid visual art. Hermann Nitsch brought artistic purification through ‘rebirth’ in a post-war context.

#hermannnitsch #austrianartist #vienneseactionism #orgienmysterientheater #fluxus #blood #paintingoncanvas #artweekly

Art Weekly – News flash J O H N D O E, oil o

Art Weekly – News flash

J O H N D O E, oil on canvas, 2016

John Doe reflecteert onze tijdgeest waarbij tijdelijkheid en vergankelijkheid eerder de maatstaf zijn geworden dan de uitzondering. Repetitief maar variërend en duidelijk universeel in taal bekritiseert hij de actuele kunstmarkt. Op afstandelijke wijze analyseert deze kunstenaar wat hij ziet. Hij ontbloot de van zijn essentie afwijkende waardeschatting, opent de gemanipuleerde wonde en stelt de kunstwereld in vraag.

Zijn harde kritiek wijst ons zijn bekommernis om de voor alles opgedreven openbare marktwaarden. ‘Lot number 560’ toont aan hoe de kunstverzamelaar niet langer meer de ogen traint, maar met de oren koopt. Als de waarde-verleiding belangrijker wordt dan ‘het kunstwerk zelf’ ooit had kunnen evenaren, dan is de nood aan de kunstwereld en zijn kritisch vermogen hoog.

__________________

John Doe reflects our zeitgeist in which temporality and transience have become the standard rather than the exception. Repetitive but varying and clearly universal in language, he criticizes the current art market. From a distance the artist analyses what he sees. He exposes the value estimate that deviates from its essence, opens the manipulated wound and questions the art world.

His harsh criticism shows us his concern for the above all inflated public market values. ‘Lot number 560’ demonstrates how the art collector no longer trains the eyes, but buys with the ears. If the value-temptation becomes more important than ‘the artwork itself’ could ever have matched, then the need for the art world and its critical ability is high.

#JohnDoe #contemporaryart #criticalart #paintingoncanvas #artworld #artmarket #artweekly

Zhang Huan, ash painting, 2007 Schilderijen, beel

Zhang Huan, ash painting, 2007

Schilderijen, beeldhouwwerken en installaties van deze Chinese dissidente kunstenaar staan bekend omwille van ook zijn choquerende performances. Doorgaans naakt, en hiermee net zoals een burger zonder rechten, bekritiseert Zhang Huan de sociale en politieke situaties van China, zowel op heden als in het verleden. Thema’s als de eenkindpolitiek, de invloed van religie en het communisme worden provocatief aangekaart. Deze kunstenaar werd snel internationaal omarmd om met zijn werk de menselijke problematiek van zijn land weer te geven.

‘The skull’ is een monumentaal werk. Humanitair maar tegelijk een mythisch symbool. Het is een ‘Ash Painting’, gemaakt met as van wierook uit de boeddhistische tempels. De as is het overblijfsel van rituelen en symboliseert de hoop, het verlangen, maar ook het lijden. Het is de verbintenis van zowel collectieve als individuele spirituele beleving. Het is de belichaming van de menselijke soort, zijn geest, de dood, maar ook de absolute gelijkheid van de mens onderling - zonder onderscheid van etniciteit, gender, welvaart,…

__________

Paintings, sculptures and installations from this Chinese dissident artist are well-known because of his also shocking performances. Mostly naked, just like a citizen without rights, Zhang Huan criticizes the social and political situations of China, both present and past. Themes like one-child policy, the influence of religion and communism are raised provocatively. This artist was soon internationally embraces to represent the humanitarian issues of his country with his work.

‘The skull’ is a monumental painting, humanitarian but also a mythical symbol. His ‘Ash Paintings’ are made with ash from incense from Buddhist temples. The ash is the remnant from rituals and symbolizes the hope, the desires, but also the suffering. It is the engagement of collective and individual spiritual experience. is the embodiment of the human species, its spirit, the death, but also the absolute equality of people among themselves – without distinction of ethnicity, gender, wealth,…

#zhanghuan #chineseartist #ashpainting #dissidentart #contemporaryart #artweekly

Art Weekly – News flash FRIEDENSREICH HUNDERTW

Art Weekly – News flash

FRIEDENSREICH HUNDERTWASSER – watercolour mounted on canvas, 1959

Deze Oostenrijkse kunstenaar, bekend voor zijn Weens Hundertwasser dorp, was gefascineerd door parallelle lijnen en spiraalvormen. Hij verfoeide de monotone architectuur en noemde rechte lijnen goddeloos en immoreel. Met zijn ui-vormige expressies schilderde Friedensreich Hundertwasser een radicale gedachte en maakte zijn artistieke wereld ironisch en milieubewust.

Der furchtsame Berg- der traurige Berg is één der oudste werken, anno 1959, kort na zijn bekend ‘Mouldiness manifesto’ met het “raamrecht-pleidooi”. Het werk is gerelateerd aan zijn visie omtrent ondergrondse architectuur waarbij hij ervoor pleitte om koeien omheen het glazen dak te laten grazen. Met zijn visionaire kritische noot ontstonden dergelijk bijzondere ontwerpen dat hij als kunstenaar de bijnaam "gebouwendokter" kreeg.

___________________

This Austrian artist, known for his Viennese Hundertwasser village, was fascinated by parallel lines and spiral shapes. He detested monotonous architecture and called straight lines godless and immoral. With his onion-shaped expressions, Friedensreich Hundertwasser painted a radical thought and made his artistic world ironic and environmentally conscious.

Der furchtsame Berg- der traurige Berg is one of the oldest works, from 1959, shortly after his well-known ‘Mouldiness manifesto’ with the plea for “window right”. The artwork is related to his vision about underground architecture, in which he pleaded to let cows graze around the glass roof. With his visionary critical note, such special designs arose that he was nicknamed “building doctor” as an artist.

#friedensreichhundertwasser #austrianartist #architect #mouldinessmanifesto #organicshapes #colourfulart #nostraightlines #artweekly

Art Weekly – News flash RAOUL DE KEYSER, tript

Art Weekly – News flash

RAOUL DE KEYSER, triptych - oil on canvas, 1971

Deze Belgische kunstenaar Raoul De Keyser zijn fundamentele schilderkunst biedt een picturale waarde aan de werkelijkheid. Hij stapt uit de anekdotes door het eindeloos abstraheren van wat hij ziet. Dit minimale denken leidt tot een conceptualiseringsproces dat alle spanning tussen vorm en inhoud uitdunt. In de monumentale drieluik Veldoefening met slice merk je de groeiende drang naar verruiming, tot enkel nog de verftextuur belangrijk is in het werk.
______________

This Belgian artist Raoul de Keyser’s fundamental painted art provides reality with a pictorial quality. He distances himself from the anecdotes by infinitely reducing what he sees until it becomes abstract. This minimal way of thinking leads to a process of conceptualization that dilutes all tension between form and content. In the monumental triptych Veldoefening met slice, one notices the increasing urge for expansion, until the texture of the paint is the only important element left.

#raouldekeyser #belgianartist #modernart #abstractart #triptych #canvaspainting #artweekly

Art Weekly – News flash D A V I D H O C K N E

Art Weekly – News flash

D A V I D H O C K N E Y, acryl painting, 1988

Deze traditionalist wordt het wonderkind van de Britse popart genoemd. Hij vestigde zich in 1964 in Californië, waar hij zijn werk maakte vanuit zijn aandacht voor de brede landschapsperspectieven van de Chinese rollen en de invloed die de fotografie op hem maakte. Hij schreef het boek Secret Knowledge (Geheime Kennis), het is een analysis van de primitieve kunst versus de camera obscura. Naast zijn schilderijen met zwembaden, portretten, landschappen en interieurs, maakte Hockney dan ook fotocollages waarbij zijn camera een belangrijke rol speelde.

Montcalm interior is een interieurschilderij van zijn woning die hij in 1979 in Los Angeles kocht. Dit huis inspireerde hem tot het maken van de meest iconische schilderijen uit de late jaren tachtig. Hockney schildert met Amerikaanse allure de harde koude kleuren van een gestileerd realisme. Het was niet enkel een ironische tegenstelling met het Engelse provincialisme, ook toont het werk hoe hij via de camera-lens zijn atelier zag, zie de ronde hoeken.

_______________

This traditionalist has been called the prodigy of British pop art. He settled in California in 1964, where he created his work from his attention to the broad landscape perspectives of the Chinese scrolls and the influence that photography made on him. He wrote the book Secret Knowledge, an analyse of primitive art versus the camera obscura. Besides his paintings of swimming pools, portraits, landscapes and interiors, Hockney also made photo collages in which his camera played an important role.

Montcalm interior is an interior painting of his home that he bought in Los Angeles in 1979. This house inspired him to make the most iconic paintings from the late 80s. Hockney paints the hard cold colours of a stylized realism with American allure. Not only was it an ironic contrast to English provincialism, the work also shows how he saw his studio through the camera lens, see the rounded corners.

#davidhockney #britishartist #popart #acrylpainting #interior #camera #colourful #artweekly

Art Weekly – News flash Meyer Vaisman, process

Art Weekly – News flash

Meyer Vaisman, process ink on canvas, 1982

Deze Venezolaanse kunstenaar settelde zich tijdens de jaren ’80 in New York. Hij was geïnspireerd door de popart en maakte gebruik van mechanische reproductietechnieken en bestaand beeldmateriaal. Als lid van de Neo-Geo beweging gaf hij, vaak op cynische wijze, kritiek op consumptie, commercialisering en de sociaaleconomische ongelijkheid in de maatschappij. Hij stelt hierin zowel de rol van de kunstenaar als het kunstwerk zelf in vraag.

Left Behind dateert uit het begin van de Amerikaanse neopop cultuur. Het getuigt van maatschappijkritiek en het werk toont ook de typische werkwijze waarop Meyer Vaisman dit soort beeldvorming verwerkt. De kunstenaar, die zijn tijdsevolutie benadrukt, voegt een extra dimensie aan zijn werk toe. Met een opstapeling van meerdere chassis, vermenigvuldigt Vaisman zijn werk tot een volumineus geheel – bijna sculpturaal – en des te meer kritisch in beeld.

______________

This Venezuelan artist settled in New York during the 80s. He was inspired by pop art and made use of mechanical reproduction techniques and existing imagery. As member of the Neo-Geo movement he criticized, often in a cynical way, consumerism, commercialization and socio-economic inequality in the society. In this, he questions both the role of the artist and the artwork itself.

Left Behind dates from the beginning of the American Neo-pop culture. It testifies of social criticism and the artwork also shows the typical method in which Meyer Vaisman processes this type of image formation. The artist who emphasizes his time evolution, adds an extra dimension to his work. With an accumulation of several stretchers, Vaisman multiplies his work to a voluminous whole – almost sculptural – and all the more critical in the image.

#meyervaisman #venezuelanartist #neogeo #contemporaryart #americanartist #1980sart #artweekly

Art Weekly – News flash C A R L A N D R E, ste

Art Weekly – News flash

C A R L A N D R E, steel, 1970
(Sol LeWitt in the background)

Deze New Yorkse minimalistische kunstenaar maakte zijn vroegste werk in hout, daarop gebruikte hij steen en metaal. Met zijn artistieke persoonlijkheid rekende hij zich tot de ‘minimal art’ waarbij elementaire geometrische elementen de ruimtelijke notie in kaart bracht. Zijn kunst heeft een industrieel karakter en bestaat louter uit materiaal, zonder esthetische uitstraling.
Carl Andre legt steeds het accent op de vloer, het geldt als zijn vlakke werkvlak. Hij schikt zijn mathematische structuren van gelijke repetitieve vormen binnen een welbepaalde ruimte waardoor zijn werk zich lijkt te vermenigvuldigen in onbegrensde vloercompositie. 26 Steel Rod Run is een sculptuur dat net als zijn ganse oeuvre een interactieve rol creëert waarmee zo de perceptie van de omgeving verandert. Wie Carl zijn werk ziet voelt de werkvloer en de geordende aard binnen een industriële omgeving waar de aandacht zich naar het potentiële van het minder beperkende horizontale verplaatst.
___________________

This New York minimal artist made his earliest work in wood, later he used stone and metal. With his artistic personality he belonged to the minimal art, in which elementary geometric elements mapped out the spatial notion. His art has an industrial character and consists purely of material, without aesthetic appearance.

The artist always emphasizes the floor, it is considered his flat work surface. He arranges his mathematical structures of similar repetitive shapes within a specific space, so that his work seems to multiply in unlimited floor composition. 26 Steel Rod Run is a sculpture that, just like the rest of his oeuvre, creates an interactive role, changing the perception of the environment. Anyone who sees his work feels the orderly nature within an industrial environment where attention shifts to the potential of the less restrictive horizontal.

#CarlAndre #americanartist #minimalart #steel #artonthefloor #minimalism #modernart #artweekly

Art Weekly – News flash David McDermott & Peter

Art Weekly – News flash

David McDermott & Peter McGough, acryl on canvas, 1990

Het kunstenaarsduo die in de jaren ’80 tijdens de Amerikaanse Neo-pop cultuur in New York opkwamen, gedroegen zich als buitenbeentjes. Hun schilderkunst en fotografie bracht enerzijds de thematiek van homoseksualiteit, mode, reclame en popcultuur, maar hun geest bevond zich als het ware in de 19de eeuw - ze droegen oude maatpakken en leefden zonder elektriciteit.
David McDermott en Peter McGough verwijzen in hun werk naar de psychodynamische theoriën van Sigmund Freud, ook de kunstenaars Picabia en Magritte worden aangehaald. Zij gebruikten technieken uit de beginperiode van de fotografie en hun schilderkunst kenmerkt de periode 1900. Chart 3 toont een anatomische doorsnede van het menselijk brein waarin jongensvoornamen, onder het portret zien we een slagzin vanuit de geportretteerde. Hun werk houdt een artistieke humoristische toespeling in, alsof hier de wetenschap het menselijk verlangen kan verklaren.
_____________________________

The artist duo who emerged in the 1980s during the American Neo-pop culture in New York, behaved like mavericks. Their painting and photography showed the theme’s of homosexuality, fashion, advertising and pop culture, but their spirit was, as it were, in the 19th century – they were wearing old suits and lived without electricity.
David McDermott and Peter McGough refer in their work to the psychodynamic theories of Sigmund Freud, as well as to artists like Picabia and Magritte. They used techniques from the begin period of the photography and their painting is also characterized by numerous references to the period 1900. Chart 3 shows an anatomical cross section of the human brain with many boys’ first names, below the portrait there is also a statement from the person portrayed. Their work implies an artistic humorous allusion, as if here science could explain human desire.

#mcdermottandmcgough #contemporyart #painting #homosexuality #neopop #timetraveling #artweekly

Art Weekly – News flash JOHN DE ANDREA, sculptu

Art Weekly – News flash

JOHN DE ANDREA, sculpture - painted polyester, 1984

‘Niks onthult meer over iemand, dan zijn naaktheid’, zo meent de kunstenaar. John De Andrea confronteert de toeschouwers met het hyperrealistisch ervaren van hun eigen lichaam. Met een driedimensionale weergave – door middel van een afgietsel van de realiteit – wordt een graad van intimiteit bereikt die bij geen ander medium terug te vinden is. Girl with the red drape is gemaakt uit beschilderd polyester en geperfectioneerd tot een ongeziene realiteit. De levensechtheid in De Andrea’s werk sloopt de barrière tussen de kunst en het leven. De hyperverfijnde nabootsingen van de realiteit, en dit tot in de kleinste details, doen de toeschouwer huiveren.
___________________________

‘Nothing reveals more about a person than his naked body’, the artist claims. John De Andrea confronts the viewer with the hyper-realistic experience of their own body. With a three-dimensional representation – made with a cast of the reality – a degree of intimacy is achieved, unmatched by any other medium. Girl with the Red Drape is made of painted polyester and captures reality to unprecedented perfection. The realism of De Andrea’s work erases the boundary between art and life. His hyper-refined imitations of reality, faithful to the smallest detail, make the viewer shudder.

#johndeandrea #americanartist #hyperrealism #painted #sculpture #woman #artweekly

Laad meer... Volg op Instagram